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べニューニュース

ぐるぐる展ー進化しつづける人類の物語

2026年3月28日（土）から9月23日（水・祝）まで、高輪ゲートウェイシティ内の複合型ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives（以下、MoN Takanawa）」にて、開館記念特別展「ぐるぐる展―進化しつづける人類の物語」を開催中です。

本展のキーワードは「ぐるぐる」。人と人、過去と未来、異なる分野が混ざり合いながら新しい文化が生まれていく動きを象徴するのが、螺旋を描くスパイラルのかたちです。このモチーフは、MoN Takanawaの建築やロゴにも取り入れられており、施設の思想そのものでもあります。

展覧会では、人類の進化を支えてきた「めぐり」「くりかえし」「螺旋」という普遍的な形に着目。自然の循環、都市の更新、人の身体や思考の巡りなど、世界にあふれる多様な「ぐるぐる」を手がかりに、人類の歴史や文化を読み解いていきます。アート、社会、テクノロジー、伝統文化など幅広い分野を横断しながら巡る、知的エンターテインメントです。

会場は6つのゾーンに分かれており、約100点の展示物と50種類以上の「ぐるぐる」が集結。20名を超えるアーティストやクリエイターによる作品に加え、歴史資料や社会を読み解く展示も並びます。

最初の「World：ようこそ、ぐるぐるの世界へ」では、宇宙や自然界に存在する無数の螺旋や回転運動を紹介。人類が古代から自然界のぐるぐるに可能性を見出し、科学技術を発展させてきた歴史をたどります。

続く「Art：ぐるぐるは美しい」では、回転や反復、螺旋の美しさに魅せられたアーティストたちの作品が並びます。世界各地の横断歩道を題材にした後藤映則の新作や、磁性流体を用いた児玉幸子の作品、岩井俊雄による「時間層 IV」、東弘一郎の金属作品など、多彩な表現を通してぐるぐるの美学に触れることができます。

「City：ぐるぐる動くまちと暮らし」では、山手線の模型やモンゴル遊牧民の暮らし、18世紀から現代までの船舶航路を可視化した映像作品などを展示。車輪や建築物といった目に見える循環だけでなく、人やモノ、情報が行き交う社会の動きにも「ぐるぐる」が存在していることに気づかされます。

さらに「Culture：ぐるぐると文化をつなぐ」では、文化の継承という視点から「ぐるぐる」を読み解きます。約450年の歴史を持つ樂家の茶碗や、日本相撲協会協力による相撲の展示、そして2025年大阪・関西万博の象徴である大屋根リングの模型など、日本の文化や伝統がどのように受け継がれてきたのかを紹介します。

後半の「Human：ぐるぐるがわたしをつくる」では、指紋やつむじ、習慣など、私たち自身の中にある「ぐるぐる」に注目。巨大な「UZU」（キャラクターデザイン：nanao）のオブジェが来場者を迎えます。

そして最後の「Think：ぐるぐる考える」では、思考や感情の巡りに焦点を当てます。香りに包まれながら思考を巡らせるインスタレーション「ぐるぐるインスピレーション」や、「考える人」をモチーフにした展示などを通じて、自分自身と向き合う時間が用意されています。展示の締めくくりには、「ぐるぐるおみくじ」も登場。これからの自分を少し前に進めるヒントが見つかるかもしれません。

宇宙から都市へ。文化から身体へ。そして思考から未来へ。一見すると無関係に見えるものたちが、「ぐるぐる」というひとつの視点でつながっていく本展。展示を見終えたあとには、いつもの街並みや暮らしの中にも、新たな発見が生まれているはずです。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年3月28日（土）～9月23日（水・祝）
会場：MoN Takanawa: The Museum of Narratives Box1500（JR高輪ゲートウェイ駅直結）
時間：10:00～19:00(金・土曜日は 10:00～21:00)
休館日：7月14日（火）、８月18日（火）、9月８日（火）
入場料：一般 2,500 円、U25 1,500 円、小中高生 800 円、未就学児 無料

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。


宇宙も都市も、私たちも。世界は「ぐるぐる」でできている

サンリオ展 FINAL ver. ニッポンのカワイイ文化60年史

2026年4月9日（木）から6月21日（日）まで、「サンリオ展 FINAL ver. ニッポンのカワイイ文化60年史」が開催されています。2021年から日本各地19都市を巡回し、85万人以上を動員してきた「サンリオ展」のフィナーレです。

本展では、サンリオ展史上最大規模となる約1,500点のグッズを展示。さらに、ハローキティやシナモロール、クロミをはじめ、総勢200キャラクター以上が登場します。会場には、サンリオの歩みをたどる貴重なデザイン原画や歴代グッズ、懐かしいアイテムが並び、カワイイという文化がどのように生まれ、育ち、広がっていったのかを多角的に紹介します。

展示は7つのチャプターで構成。「カワイイのはじまり」では、1974年にハローキティが誕生する以前、どのように新しいカワイイを提案してきたのか、雑貨文化やデザインに注目しながら、サンリオ創世記の挑戦を振り返ります。

「オリジナルキャラクターの誕生」では、数々の人気キャラクターがどのような試行錯誤の中から生まれてきたのか、その制作背景に迫ります。また、「ハローキティ人気のヒミツ」では、50年以上にわたり世界中で愛され続ける理由を解説。シンプルだからこそ受け手によって意味が変わるデザインや、口が描かれていないことに象徴される独自性など、ハローキティならではの魅力を掘り下げます。

他にも、1975年に創刊された月刊の機関紙「いちご新聞」の展示も印象的。サンリオはファンと一緒にキャラクターを育ててきました。「いちご新聞」を通して寄せられた読者の声やコミュニケーションの積み重ねが、サンリオ文化を形づくってきたことが見えてきます。

さらに、FINAL ver.では新たに「2026年サンリオキャラクター大賞」とのコラボレーションコーナーも登場。450を超えるサンリオキャラクターの中から、新たな推しと出会える空間として、100問のクイズ企画を展開します。歴代人気キャラクターはもちろん、まだ知らなかったキャラクターの魅力にも触れられる構成です。

会場限定グッズも充実しています。ラッピングペーパー柄をモチーフにしたぬいぐるみやマスコット、フェイス巾着などの先行販売グッズに加え、FINAL ver.限定カラーのオリジナルグッズも多数登場。ピンクを基調にした特別仕様のアイテムが並びます。

60年以上にわたり、カワイイを起点に人と人をつないできたサンリオ。本展は日本ならではの「カワイイ文化」がどのように育まれてきたのかを体感できる展覧会でもあります。懐かしさと新しい発見が交差する空間で、サンリオが届け続けてきたメッセージに触れてみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年4月9日（木）～6月21日（日）
会場：森アーツセンターギャラリー（六本木ヒルズ森タワー52階）
時間：日～金曜日10:00～18:00、土曜日・祝日10:00～20:00※入館は閉館30分前まで
入場料：一般／大学・専門学生＝平日 2,400円／土日祝 2,800円、小学・中学・高校生＝平日 1,000円／土日祝 1,200円（すべて税込）※全日日時指定制 ※未就学児無料
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

© 2026 SANRIO CO., LTD.  APPROVAL NO. SP660009

200キャラクター超が集結。世代を超えて愛される「カワイイ」の秘密

脳汁横丁2026 

2026年5月29日（金）から31日（日）まで、ベルサール秋葉原にて体験型フードフェス「脳汁横丁2026」が開催されます。 

動員数1万人を記録した話題のイベントが、さらにパワーアップ。第6弾となる今回のテーマは「奉脳祭（ほうのうさい）」です。LEDのれんをくぐると広がるのは、光と音がシンクロする祝祭空間。フォトジェニックな演出やフィーバータイムが日常をリセットし、五感ごと没入できる体験へと誘います。 

会場の象徴となるのが、約150個の提灯に映像を投影する「提灯マッピングステージ」です。DJ KOO（TRF)、テクノ法要など、人気アーティストやDJが登場し、幻想的な光と音楽が交錯するなか、DJやアーティストによるライブパフォーマンスが会場全体を熱狂へと巻き込み、イベントのために書き下ろされたオリジナル楽曲「脳汁音頭」にあわせて踊る一体感は、まさにここでしか味わえない体験です。 

フードエリア「脳汁屋台」では、トミー（水溜りボンド）、ﾘﾛ氏など多数の個性豊かなクリエイターとコラボした9つの屋台が出店。写真映えだけじゃない、「予想を裏切る」「クセになる」「思わず撮りたくなる」体験型フード＆ドリンクが揃い、2026年はさらに体験要素が強化されて「食べる」を超えた感性を刺激するコンテンツへと進化します。給油機を模した「脳汁スタンド」も復活し、LEDで光るホースからカラフルなドリンクが注がれるインパクト抜群の演出も健在です。 

主催は、"ヲタク"と"大人"を掛け合わせた「ヲトナ」をキーワードに、自分の好きを大切にして生きる人たちを応援するマルハン東日本の「ヲトナ基地プロジェクト」です。企画監修を務めるのは「泡パ」「脳汁銭湯」など数々の体験型イベントを手がけてきたアフロマンス氏。映像チーム「最後の手段」、サイバーアーティストのサイバーおかん、水溜りボンド・トミー氏、平成レトロ研究家の山下メロ氏ら個性派クリエイターたちが結集しました。 

そもそも"脳汁"とは、驚きや高揚感・達成感を感じたときに分泌されるドーパミンやアドレナリンをユーモラスに表現したインターネットスラング。「脳汁横丁」は、この言葉を軸に「面白い」「楽しい」「好き！」という感情を全力で肯定する空間として生まれました。秋葉原のど真ん中で、日頃抑え込んでしまいがちな熱狂を解放してみてはいかがでしょうか。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期：2026年5月29日（金）～5月31日（日） 
会場：ベルサール秋葉原 
住所：東京都千代田区外神田3丁目12-8 住友不動産秋葉原ビル1F 
時間：11:00～20:00 
入場料： 無料(フード、ドリンク、オリジナルグッズは購入が必要) 
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。 

約1万人動員を記録した「脳がよろこぶ」体験型フードフェスが、東京・秋葉原で再び開催 

TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜 

2026年4月18日（土）から5月17日（日）まで、TOKYO NODE GALLERYにて、「TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜」が開催中です。 

6畳ワンルームという共通の条件のもと、40名のクリエイターたちがそれぞれの価値観や生き方を部屋で表現する、ユニークな体験型展覧会です。アーティスト、デザイナー、建築家、華道家、エンターテイナー、インテリアブランドなど、異なるジャンルで活動する参加者たちが、自分らしい空間を創出。同じ広さ、同じ条件の部屋であっても、世界観はまったく異なります。 

参加クリエイターは、SAINT LAURENT初の日本人ファッションデザイナーの相場慎吾氏、華道家の假屋崎省吾氏、アーティストとしても活動するくっきー！氏など、分野を横断して活躍する多彩な顔ぶれです。 

また、住まいの写真投稿が集まるSNS「RoomClip」、都市型FMラジオ局「J-WAVE」、街づくりを手がける総合デベロッパー「東京建物」、国内有数の家具メーカー「カリモク家具」なども参加。多様な領域から独自の視点を持つ企業が部屋の表現に加わります。 

総合プロデューサーを務める町野健氏は、「衣食住のうち『住の領域』には、まだ大きな成長余地がある」と語ります。人と異なること自体が価値となる時代だからこそ、画一的ではない、多面的な部屋のあり方を提示したいという思いのもと本展は企画されました。 

異業種が交わることで、インテリアの可能性をさらに押し広げる展示。インテリアを「家具や雑貨の組み合わせ」としてではなく、「自分自身を表現する手段」として捉え直すきっかけを与えてくれます。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期：2026年4月18日（土）〜5月17日（日） 
会場：TOKYO NODE GALLERY A/B/C（虎ノ門ヒルズ ステーションタワー） 
時間：10:00～20:00（最終入場 19:30） 
入場料（税込）：一般 1,900円／小人（3歳〜小学生）950円 
※2歳以下無料 
※5月5日（こどもの日）は小人無料 
※障がい者手帳をお持ちの方とその介助者1名まで無料
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。  

「6畳の部屋」という表現が映し出す、それぞれの価値観 

平成恋愛展 

2026年4月7日（火）から6月28日（日）まで、六本木ミュージアムにて「平成恋愛展」が開催中です。平成約30年の恋愛を初期・中期・後期に分け、約3,000点のアイテムと体験を通してたどる参加型の展覧会です。 

会場に足を踏み入れると、まず目に飛び込んでくるのは、平成の恋愛を支えてきたコミュニケーションツールたち。ポケベル、ガラケー、デジタルカメラ、プリ帳など、当時を象徴するアイテムがずらりと並びます。 

しかも本展では、実際にアイテムを手に取れるのが大きな魅力（一部展示を除く）。ガラケーをパカッと開いて自撮りをしたり、シールやラメでデコられたプリ帳をめくったりするたび、平成の空気感をリアルに感じられます。

さらに、印象的なのが、「恋愛のあるある」を体験できるブースの数々です。いま話題の「モキュメンタリー」の手法で表現されており、当時の恋愛を形づくっていた胸キュンシーンを追体験できます。授業中の回し手紙、限られた文字数で想いを打ち込むポケベル、家族に聞かれないように少し緊張しながら固定電話から電話をかける時間など、懐かしい瞬間がよみがえります。 

展示を楽しんだあとは、「あの頃の放課後」をテーマにしたショップとカフェにも立ち寄りたいところ。ショップには平成当時を思い出すキャラクター雑貨やステーショナリー、さらにはフリューのプリ機まで並び、タイムスリップしたかのような空間です。併設された「みんなの！平成恋愛CAFE」では、クレープやタピオカといった平成らしい定番メニューを用意しています。 

実際に青春時代を過ごした世代には懐かしく、平成を知らない世代には新鮮に映る本展。コミュニケーションにひと手間が必要だった時代ならではのトキメキに、浸ってみてはいかがでしょうか。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期： 2026年4月7日（火）～2026年6月28日（日）※会期中無休 
会場：六本木ミュージアム（〒106-0032東京都港区六本木5-6-20）  
時間：月曜～木曜 10:00-18:00（17:30最終入場）、金曜～日曜・GW期間（4月25日～5月10日）10:00-20:00（19:30最終入場） 
入場料：一般・大学生 \2,200、中高校生 \1,800、小学生 \1,300 ※未就学児無料（保護者同伴に限る） 

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。 

ポケベルに回し手紙。あの頃の胸キュンがよみがえる参加型展示 

近年、音声認識やAIなど便利なテクノロジーが次々と生まれています。こうした技術によって「できること」が増える今、イベント制作の現場でも「本当の意味で誰もが楽しめる体験とは何か」が改めて問われています。

イベント制作の裏側に潜む「無意識の偏り」を、テクノロジーと私たちの意識のあり方から考え直すため、お話を伺うのは、障害を「世界を捉え直す視点」として数々のプロジェクトを企画してきた田中みゆき氏と、世界的パラスポーツの祭典の閉会式の全体統括を経て、イベントにおけるDEIの重要性を発信する星山賢氏。

「形ばかりのバリアフリー」で終わらせないために。参加者の主体性を尊重し、心に届く「体験設計」をどう描くべきか。明日からの現場で活かせる対話のヒントを探ります。


プロフィール

田中みゆき
キュレーター／プロデューサー。「障害は世界を捉え直す視点」をテーマに、カテゴリーにとらわれないプロジェクトを通して表現の捉え方を多様な鑑賞者とともに再考する。最近の仕事に『音で観るダンスのワークインプログレス』『オーディオゲームセンター』『ルール？展』展覧会『語りの複数性』など。2022年7月から12月までACCのフェローシップを経てニューヨーク大学障害学センター客員研究員としてニューヨークに滞在後、帰国。2025大阪・関西万博 日本館基本構想クリエイター。

星山賢
施工会社や制作プロダクションを経て2008年電通ライブ（旧電通テック）に入社。様々な企業のイベントプロモーションから官公庁などの案件も担当。2021年に開催された世界的パラスポーツの祭典ではクロージングセレモニーの全体統括として関わり、そこでイベントにおけるDEIの大切さを肌で感じ、「みんなのイベント・ガイドライン」や「サステナビリティに配慮したガイドラインDEI編」の制作メンバーに参画。


テクノロジーの実装を急ぐ前に、まず立ち返りたい「健常者中心主義」の危うさ

――テクノロジーが加速度的に進化する中で、人間の能力拡張やアクセシビリティの向上への期待が高まっています。実際にテクノロジーを取り入れることで、社会におけるアクセシビリティはどう変わっていくとお考えでしょうか。

田中：前提として、「エイブリズム（Ableism：健常中心主義）」についての理解が必要だと思います。エイブリズムとは、健常者の心身の状態や価値観を「標準」とし、それに当てはまらない人を「劣っている」あるいは「直すべき対象」と見なす考え方のことです。

テクノロジーとエイブリズムは、実は密接に切り離せない関係にあります。例えば、視覚障害のある人がデバイスを使って一人で道を歩けるようになる、あるいは聴覚障害のある人が音声認識で会話をテキスト化して理解できるようになる。これらは一見素晴らしい進化ですが、その根底にあるモデルは「障害者を、いかに健常者の状態に近づけるか」という、いわばメインストリームへの「同化」なんです。

もちろん、それによって仕事の機会を得たり、外出の選択肢が増えたりするのは非常に良いことです。しかし、それが「彼らが自分自身の体のまま、ありのままの状態で豊かに生きられる社会」に向かっているかというと、実は逆行している側面があるのではないか。テクノロジーによって「健常者に負担をかけなくて済む（健常者にとって都合のいい）人」を増やしているだけではないか、という問いを忘れてはいけないと思います。


星山：普通に生活していると、同化にはなかなか気づけません。「便利になって良かった」で片付けてしまいがちです。

田中：例えば、パラスポーツの大会で「義足というテクノロジーによって、驚異的な記録で走る」ことは感動の物語として称賛されます。でも、もしその選手がオリンピックに出ようとすれば、拒絶反応を示す人が現れます。

これは、「障害者が『障害者』という枠の中で感動を与えてくれる分には歓迎するけれど、健常者の領域に入ってくるのは線を引いて拒絶する」という心理が顕在化されています。自分たちとは違う存在として切り離しながら、エンターテインメントとして消費する。この歪んだ構造は、形を変えながら今も日本社会で平然と続いています。

星山：私もパラスポーツの大会で選手の頑張りをみて、純粋に感動を覚えてしまう人間の一人ですが、実際に健常者を超える記録を出している人がいる以上、「障害者のためのスポーツ大会」という枠に閉じ込め、別物として切り離すことの是非を、社会全体で議論していかなければいけないのかもしれませんね。


見栄えの良さではなく、当事者の主体性を支えるテクノロジーを

――テクノロジーの実装と聞くと、すぐに期待してしまいますが、健常中心主義に偏っていないか疑わないと、根本的な課題の解決にはならないということですね。

田中：テクノロジーを考えるときにすごく危険なのは、「感動を生む」ようなことにはお金が注ぎ込まれがちだということです。見応えがあるし、見栄えもするし、多くの人が喜ぶ。開発側も投資する側もそういう方向に流れやすいのですが、本当に必要なのは、もっと地味で、障害のある人がその人らしく日常を生きていくためのテクノロジーです。

星山：目新しいテクノロジーの実装を急ぐだけでなく、障害のある人を「支援の対象」としてではなく、自立した意思を持つ「主体」として捉え直す視点が必要ではないでしょうか。


田中：まさに「主体性を奪わないこと」がアクセシビリティの核心です。日本の場合、障害のある人に対する人権意識が非常に低いと感じます。「良かれと思って」当事者の代わりに何かを決めたりしてしまう人がまだまだ多い。それによって当事者の方も「自分には能力が足りない」と思い込まされています。障害のある人の自立生活がなかなか進まない背景のひとつにはそういった価値観があります。

アメリカのろう学校で教える友人の話ですが、まず「耳が聞こえないことで、あなたの権利が損なわれることは絶対にない」ということを徹底的に教え込むそうです。対して日本では、「人に迷惑をかけてはいけない。迷惑をかける人は周囲の思いやりに常に感謝を示さなければならない」という意識が埋め込まれているように感じられてなりません。「健常者＝100%の人権がある人、障害者＝それ以下の人」という、極めて残酷な能力主義です。

しかし、私たちは皆、常に変化し、老いていく揺らぎの中にいます。「自分は一生100%完璧な健常者である」と断言できる人はいないはずです。その意味でも、どのような状態になっても主体性が守られる仕組みを作ることは、障害者支援という枠を超え、この社会で生きるすべての人に安心を保証することに他なりません。


AIが人間の主観やバイアスを排除し、属性を超えた共感を設計する可能性

――では、未来のイベントをよりインクルーシブなものにしていくために、制作者が明日からできることは何でしょうか。デジタルの世界ではアクセシブルな設定が充実してきていますが、リアルのイベントという特定の場所と時間における体験をどう変えていけばいいでしょうか。

田中：インクルーシブには色々な形があります。多くの人は、バリアフリーの基準を達成することに一生懸命になりがちですが、その前に「どういう場を作りたいか」「その場を開くことが来場者に何をもたらすのか」という本質を話し合うべきです。 障害者が一人参加すれば達成、という話ではありません。さらに「なぜバリアフリーにすることが自分たちにとって必要なのか」という対話を深めることが必要です。

星山：「誰かに合わせる」という前提を捨てて、関わる人のマインドが変われば、自ずとテクノロジーの使い方も変わっていくはずだと、改めて痛感しました。

田中：テクノロジーの可能性という意味では、私はAIに大きな期待を寄せています。なぜなら、AIには「人間の忖度」がないからです。 アクセシビリティを阻む最大の要因は、実は「縦割りで役割が分断された組織やマジョリティを前提につくられた商慣習」です。例えば、アメリカの薬局では薬が鍵付きの棚に入っていて、視覚障害者は店員に説明を読んでもらわないと買えません。でも、読み上げてもらうよう頼むと、店員から「自分は薬剤師ではないから、薬事法に関わることはできない」と断られることがあります。ここで基本的な情報へのアクセスが遮断されるんです。

これは特殊な例ではなく、イベントに関しても言えることです。例えば、日本で開催される大規模なイベントでは、企画と運営、チケット販売、現場の管理などがそれぞれ別の会社によって担われていることがありますよね。本来、アクセシビリティは全体を横断して実装されるべきものですが、役割の細分化によって窓口や現場で聞いてもアクセシビリティの情報が得られないケースがあります。

しかし、AIなら忖度なく淡々と情報を提供してくれます。AIによって、これまで「自分の責任はここまで」「普通は当たり前にできるから問題ない」という意識によって閉じられていた扉が、一気に開かれました。これは大きな希望です。ただ、AIの活用は消費者側のリテラシーに依存しており、デジタル格差によってアクセスできない人も出てくるでしょう。さらにAI自体にバイアスが潜んでいるリスクにも留意しなければいけません。それでも「マジョリティによって構築された社会の構造」を打破する可能性を持っています。


星山：イベントという身体性を伴う現場だと、視座が「アクセスの確保（入れるかどうか）」という入り口の部分で止まってしまっている気がします。その先の「体験の本質をどう共有するか」というフェーズまで上げていかなければいけません。

田中：教育格差や経験値のギャップをどう埋めるかという課題は大きいですが、まずは制作者が「あなたに来てほしい」というメッセージを、その中身（コンテンツ）が対象とする人々にとって魅力的なものになっているかから考え、適切な方法で伝え続けること。そして、アクセシビリティを権利として当たり前に実装していく。それがイベント制作、ひいては社会のOSを書き換える第一歩になるのだと思います。

write＆edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura



【後編】「感動の消費」から「主体性の尊重」へ。テクノロジーが切り拓く、属性やバイアスを越えたイベントの未来

「アクセシビリティ」という言葉がイベント制作の現場に浸透する昨今。しかし、作り手として取り組む中で、「形式的なものにとどまっていないか」「正解は何なのか」と、ふと立ち止まってしまう瞬間もあるのではないでしょうか？とはいえ、障害別にカテゴライズし、紋切り型の配慮で「健常者の文化」に寄せるだけのアプローチでは、一人ひとりの特性を無視することにもなりかねません。

イベント制作が抱える「アクセシビリティのパラドックス」を解消するには、制作者はどのような視点を持てば良いのでしょうか。イベントや展覧会のキュレーションやプロデュースを通して、アクセシビリティのあり方を問い直し続けている田中みゆき氏と、世界的なパラスポーツの祭典の閉会式で全体統括を担当し、現場の葛藤をよく知るプロデューサーである星山賢氏とともに、今のイベント制作現場から抜け漏れている視点や、当事者の関与の必要性について語り合ってもらいました。


プロフィール

田中みゆき
キュレーター／プロデューサー。「障害は世界を捉え直す視点」をテーマに、カテゴリーにとらわれないプロジェクトを通して表現の捉え方を多様な鑑賞者とともに再考する。最近の仕事は『音で観るダンスのワークインプログレス』『オーディオゲームセンター』『ルール？展』、展覧会『語りの複数性』など。2022年7月から12月までACCのフェローシップを経てニューヨーク大学障害学センター客員研究員としてニューヨークに滞在後、帰国。2025大阪・関西万博 日本館基本構想クリエイター。

星山賢
施工会社や制作プロダクションを経て2008年電通ライブ（旧電通テック）に入社。様々な企業のイベントプロモーションから官公庁などの案件も担当。2021年に開催された世界的なパラスポーツの祭典ではクロージングセレモニーの全体統括として関わり、そこでイベントにおけるDEIの大切さを肌で感じ、「みんなのイベント・ガイドライン」や「サステナビリティに配慮したガイドラインDEI編」の制作メンバーに参画。


人を機能で捉える危うさを超え、個人の文脈にアクセシビリティを編み込む

ーー最初に、現在のイベント制作におけるアクセシビリティについて、田中さんはどのように感じていらっしゃるのかお聞かせください。

田中： まず、障害のある人のアクセシビリティは、とても幅広いものですが、現在のイベント制作では、大きく分けて2つの方向性があると考えています。

1つ目は、いわゆる「健常者」と言われる人々が企画して行うイベントに、後からアクセシビリティを付与するパターンです。 これは現在、多くのイベントで行われている手法ですね。

2つ目は、その対極にあるものです。 障害のある人が参加することを前提に、最初から「インクルーシブ（誰も排除されない）なイベント」として作るパターンです。

そして重要なのは、その中間に非常に多様なグラデーションがあることです。 これには、演出の段階から障害当事者が関わるものや、表現そのものの中にアクセシビリティを埋め込んでいくような取り組みを含みます。

これらは、前提も状況もまったく違います。今回の対談では主に1つ目の「後からアクセシビリティを付ける」話が中心になるかと思いますが、正直なところ、この手法には限界があると感じています。

なぜなら、現在のアクセシビリティの多くは、人を「機能」で捉えてしまい、健常者を基準として障害を「個別の対応が必要な不具合」のように扱っているからです。そのような考え方を「エイブリズム（ableism）」と呼びます。しかし、障害の特性はその人の一部に過ぎません。

たとえば、ろう者（耳が聞こえない人）であれば、ろう者の家族と育ったのか聴者の家族と育ったのか。どういう教育を受け、第一言語は何なのかなど、育った環境や文化によって、必要としているアクセシビリティは一人ひとり異なります。

現在の「インクルーシブ」と呼ばれるイベントは、個々が楽しめるものになっているかよりも「とりあえずみんなが参加すること」が優先される空気が生まれてしまっている感覚があります。


星山：私自身、世界的なパラスポーツの祭典の閉会式を担当した際、まさに「健常者目線」の壁に直面しました。たとえば、一概に「通路にスロープを設置しよう」と言っても、人によって右が不自由な場合も、左が不自由な場合もあります。片側だけの手すりでは掴めない人が出てくるわけです。

そのため、企画チーム内でも「健常者だけで進めるのは無理だ」という話になり、当事者の声を聞いたり、障害当事者の視点を取り入れたコンサルティングを行う団体に専門家として入ってもらったりして環境を整えましたが 、ハード面をクリアした後の「どう楽しんでもらうか」という点については、イベント制作者の大きな課題です 。

アクセシビリティを考えると、どうしても「イベント会場に来るまでのバリアをどう取り除くか」に意識が向きがちです。でも本当は、来場したあとにどう楽しめるかが重要なんですよね。楽しんでもらう方法として、私たちが真っ先に考えるのは「情報保障」です。たとえば字幕を付ける、手話にする、音声で情報を取れるようにするなどの対応です。

ただ、そこでいつも引っかかるものがあります。障害のある方に対して、文字情報やアナウンスで「状況を伝える」だけで、果たしてそれは「楽しめている」ことになるのだろうか、と。漠然と感じています。結局、健常者の体験レベルに寄せようとしているだけではないかという葛藤が常にあります。そのジレンマをどう乗り越えれば良いのか、自分の中でずっと考えているのですが、簡単には答えが出ません。


「共通の経験」を見出すことで、健常者起点のクオリティを超える

ーー星山さんと同じような葛藤を抱えるイベント制作者は多いと思います。田中さん、それを乗り越えるためには、どのような視点が必要でしょうか。

田中：障害のある人が、マジョリティである健常者が主体となるイベントに参加しやすい環境を整えることはもちろん大事です。健常者の中で話題になっている作品に関心を持っている障害のある人もたくさんいます。同時に、障害のある人が障害者の文化に触れることも、自己のアイデンティティを確立する上で不可欠です。

しかし現状は、マジョリティによる作品のアクセシビリティの担保が不十分な上、障害者の表現も「ダイバーシティ」という名目で、健常者との差異に価値が置かれがちです。真に対等な創作には、健常者も障害者も何かと比較されることなく、ありのままの表現として正当に評価される土壌が欠かせません。

でも、普段から接する機会が少ないと、どうしても違いを強調することに終始してしまいます。では、それをどう乗り越えるかというと、まずイベント制作者が障害のある人の「共通の経験」を理解することです。同じ障害のある人同士、あるいは違う障害がある人同士でも、共通する経験はあります。たとえば「社会が自分のために作られていない」と毎日思い知らされる、というような経験です。それは、マジョリティの社会や文化を疑うことでもある。

そのうえで、障害のある人がどのようにその特性にもとづいた世界の捉え方や生活様式をしているかを見つめる。つまり障害のある人が作る文化を丁寧に掘り下げていく。特に規模の大きいイベントになると「何となくみんなが平和的にその場にいるいい感じの絵が描ければいい」という空気が蔓延しがちな中で、そうした視点を持つことが、とても必要だと思っています。

星山：「何となくいい感じの絵」については、私も違和感を覚えています。世界的なパラスポーツの祭典の閉会式を手がけていたとき、演出家と話していたのは、障害のある人をキャストとして迎え入れると、従来の練習の枠組み自体を見直す必要が生じる、ということでした。どのように障害のあるキャストとステージを作っていくべきか、かなり悩みましたし、議論を重ねました。

そこで、オーディションで選ぶ基準として、障害のある人だから起用するのではなく、たとえばダンスがとても上手い人に障害があったというように、あくまでもクオリティ重視でアサインしようと話しました。

田中：それは良い視点ですね。ただ、演出家が健常者である限り限界があることを自覚しておく必要はあると感じます。障害のある人の表現を扱う際には、健常者の表現と比較するのではなく、異なる美意識や評価基準を育てる視点が必要です。しかし作り手が健常者の場合、結局は「健常者から見て遜色ないもの」を評価することがゴールになっていないでしょうか。その状態では、いつまでも「健常者にとって見栄えが良い障害者」しか呼ばれず、結果としてどの分野でも同じ人が繰り返し出ている状況は、変わらないなと思います。

いろんなタイプの障害のある人が時間や場を共にし、一緒に創り上げることで、それぞれに必要なアクセシビリティを考えられるようになります。アクセシビリティは健常者が障害者に提供する、やってあげるものという固定観念が日本ではありますが、障害のある人同士でも互いに必要なアクセシビリティを考えることは可能です。

むしろ、先ほどお話した共通の経験があるからこそ、より深く理解できる部分もあると思います。たとえば、車椅子の人が目の見えない人に「今、目の前でこういうことが起こっているけど、あなたならどういう情報が欲しい？」と聞けますし、補い合えます。たとえば、アメリカでアクセシビリティが整っている施設は、当事者が働いていることが多いです。自分たちのアクセシビリティは自分たちが一番わかっている、という土台があるんです。この点は、日本も社会全体で発想を転換するべきなのではないかと思います。

ーーアクセシビリティが進んでいる国と日本との違いは、何に起因しているとお考えになりますか？

田中：一番は「人権に対する意識の違い」にあると感じています。日本では「障害のある人も参加できるのが当たり前」という前提が、社会全体にまだ浸透していません。特に最近強く感じるのは、人権を「能力とのトレードオフ」のように捉える空気感です。「何か貢献できるから参加していい」「役に立つから社会にいていい」というように、何らかの条件と引き換えに権利が認められるような、そんな危うさがあります。

海外に目を向けると、障害のある人が演出を手がけるといったことも、ごく自然なこととして受け入れられています。そこには「能力があるから」という以前に、そこに存在し、表現することが当然であるという土壌があるんですね。

私たちはどこかで、人権を「誰かから与えられるもの」だと思い込みすぎているのかもしれません。本来、人権とはお墨付きが必要なものではなく、生まれながらに誰もが等しく持っているものです。「誰かの承認」がなければ社会に参加できないという今の空気感を変え、当たり前の権利を当たり前に享受できる社会にしていく必要があると考えています。


ガイドラインを一歩として、形式的な対応から「最適解」を導く対話を喚起する

ーー根底にある意識や、そこから生まれる発想を一気に転換することは難しいかもしれませんが、いろいろ模索しながら正解を探しているイベント制作者もいると思います。現在、電通グループでは「みんなのイベント・ガイドライン」という、イベントに参加する誰もが取り残されないための手引書をまとめています。この作成に携わられた星山さん、内容についてご説明いただけますでしょうか。

星山：「みんなのイベント・ガイドライン」は、来場者とスタッフ双方が「取り残されない」イベントの実現を目指す指針です。世界的なパラスポーツの祭典での知見や改正障害者差別解消法（※）を踏まえて作成しました。電通と電通ライブが共同制作し、外部有識者の監修を経て、実務に即した内容に整えました。

（※）不当な差別を禁じ、必要な合理的配慮の提供を義務付ける法律。2024年4月施行により、民間事業者も義務の対象になった。

ガイドラインを作成した背景には、パラスポーツの祭典の閉会式をプロデュースするに際して多様な方々と協働することで得た知見をグループ内で共有し、DEI（多様性・公平性・包摂）の考え方を組織や事業の価値向上に活かしていきたいという考えがありました。また、改正障害者差別解消法への対応を機に、現場へ「誰も取り残さない視点」を実装する必要性も高まっていました。

特徴は、現場が萎縮しないよう厳格な「ルール」ではなく、考え方を学ぶ「入門編」として設計した点です。まずは「みんなとは誰か」を定義しました。車いす利用者の動線、視覚・聴覚障害、LGBT+、妊婦、ムスリムの方々の礼拝など、来場者が現場で直面しやすい不便さや困りごとを可視化し、会場選定や設備対応といった実務的な解決策を例示しました。

構成は「困りごと・解決ポイント・対応例」をセットで確認でき、具体的なソリューションも紹介しています。さらに、作って終わりにせず、イベントごとに異なるターゲットに合わせて活用できる「チェックリスト」を付属。企画チームが「何を優先すべきか」を主体的に話し合い、その時々の最適解を導き出すための伴走型ツールとして設計しました。



――「みんなのイベント・ガイドライン」は現場の意識を形式的な対応から、田中さんがおっしゃるような本質的な体験の提供へとシフトさせていくための指針になるのではないかと感じました。では、合理的配慮を進める上で、私たちが誤解してはいけない視点は何でしょうか。

田中：障害のある人と接する時に、彼らが常に「困りごと」を持っている存在だと決めつけないで欲しい、ということを前提にお話します。まず、合理的配慮には「事前の環境調整」と「個別の合理的配慮」の二段階があることを理解する必要があります。事前の環境調整は、大多数をカバーできるよう土台を整えることですが、それだけでは十分ではありません。そういった最大公約数的なアプローチからはみ出るニーズのために存在するのが、本来の合理的配慮という概念です。

一度に「みんな」が満足する状態は存在しませんが、だからといってすべてを個別対応にするにも限界があります。できる限り前提となる知識や特性ごとの対応を準備してアクセスを広げる努力はしつつも、カバーしきれない個々のニーズにどう向き合うかを考えなければなりません。

-具体的には、どのような向き合い方が有効でしょうか。

田中：例えば、舞台芸術における「リラックスパフォーマンス」が分かりやすいかもしれません。 これはもともとは、自閉症や発達障害、精神障害など、劇場で静かに座って観ることが難しい方々のために設けられた上演形態です。

海外では「通常の上演」と「リラックスパフォーマンス」を明確に分けて実施することもあるくらい、従来の観劇のルールやマナーのために劇場に来られない人たちに向けられたものです。私が海外で体験した際は、観客が叫んだり歩き回ったりしても、それをその場にいる全員がそういうものとして受け止める、非常にエネルギッシュで面白い場でした。

最近、日本でも導入されるケースが増えていますが、子どもや家族向けのゆるく楽しい会のように誤解されている例も多く見られます。そのことによって結局本来対象とされている人は結局来られていないのではないでしょうか。「みんな」が結局健常者中心で考えられているために、結果として中途半端なものになっている気がしています。

-つまり「分けること」が正解になる場合もある、ということでしょうか。

田中：そうです。あえて「分ける」ことによって、充実した時間を送ることができる人たちがいます。もちろん、パラスポーツの祭典のように「体験の質が多少違っても、みんなが同じ場にいること」に価値がある場合もあります。一方で、「自分のままで自分らしく体験したい」という時には、様々な特性の人が混ざることで、結局誰か（大抵の場合はその場におけるマジョリティ）に合わせることになり、その体験が叶わないこともあるでしょう。

大切なのは、一つのノウハウで全てを突き通そうとしないことです。集まった人や環境などさまざまな要素に応じて最適解は異なります。日本社会に足りないのは、その時々に応じた「多様なあり方」を模索し、自分たちのあり方を更新していく柔軟性ではないでしょうか。

write＆edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

【前編】真のアクセシビリティを届けるために、イベント制作者に求められる視点の転換とは

「ピクサーの世界展」

2026年3月20日（金・祝）から10月12日（月・祝）まで、ＣＲＥＶＩＡ ＢＡＳＥ Tokyo（クレヴィアベース トーキョー）にて、世界7カ国9都市を巡回し、累計350万人以上を動員中の話題の展覧会「ピクサーの世界展」が開催中です。

ピクサー・アニメーション・スタジオの監修・キュレーションのもと制作された本展は、映画の名場面を実物大スケールで再現した没入型体験イベントです。会場には、『トイ・ストーリー』『モンスターズ・インク』『ファインディング・ニモ』など、ピクサーを代表する作品群の世界が広がります。

ピクサー作品の魅力は、ユーモアや驚きに満ちた世界観だけではなく、友情、家族愛、成長、といった、誰の心にも触れる普遍的なテーマが息づいているところにあります。本展では、そうした物語の力を展示空間として体感できるのが大きな見どころです。映画を観たときに感じたわくわくや切なさ、胸が熱くなる瞬間が、立体的な空間体験としてよみがえります。

会場には、13種類以上のユニークなセットが展示され、総面積3,500㎡を超える没入空間が広がります。たとえば『トイ・ストーリー』ではアンディの部屋に飛び込み、おもちゃたちが命を吹き込まれる瞬間を体験。来場者は、単に作品世界を眺めるのではなく、その場に入り込み、自分自身が物語の中の登場人物になったかのような感覚を味わえます。所要時間は約1時間。名作の舞台を巡りながら、ピクサー作品が持つ想像力と感情の豊かさを全身で体感できる構成です。

ピクサー・アニメーション・スタジオが監修・キュレーションを手がけている点も、本展の特別さを際立たせています。キャラクターや空間を単に再現するだけでなく、作品ごとの世界観やストーリーテリングの核にまで目を向けた構成が貫かれており、ピクサーのクリエイションに対するこだわりを間近に感じることができます。映画ファンはもちろん、デザインやアニメーション表現に関心のある人にとっても見応えのある展示となっています。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年3月20日（金・祝）～10月12日（月・祝）
会場：ＣＲＥＶＩＡ ＢＡＳＥ Tokyo（東京都江東区豊洲6-4-25）
時間：開館時間：10:00～20:50 ※最終入場 19:00 ※開催日により22:50まで延長（最終入場 21:00）となる場合があります。
入場料・休館日：詳細はHPの「チケットを入手する」から確認 


※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。


物語の主人公に。世界350万人を魅了した大ヒット展が東京初上陸

Space Travelium TeNQ 宇宙兄弟展 2026

2026年1月16日（金）から4月19日（日）まで、東京ドームシティの宇宙体感施設「Space Travelium TeNQ」館内の企画展示エリアにて、「Space Travelium TeNQ 宇宙兄弟展 2026」が開催されます。

2007年12月に『モーニング』（講談社）で連載が始まり、次巻となる46巻をもって完結することが発表された漫画『宇宙兄弟』。2026年は、作中で兄・南波六太が宇宙飛行士選抜試験に合格し、弟・南波日々人が日本人として初めて月面着陸を果たした年でもあり、物語の始まりの年としても特別な意味を持ちます。

本展では「夢のドア」をテーマに、作品の原点にフォーカスしながら、『宇宙兄弟』の魅力を改めて体感できる展示を展開します。

会場は3つのエリアで構成されます。「夢のはじまり」をテーマにしたエリアでは、登場人物の関係性を相関図で読み解きながら、キャラクター診断や年表を通して物語の軌跡を振り返ります。六太や日々人をはじめ、数々の人物たちが夢を追い、試練を乗り越えてきた歩みをたどることで、『宇宙兄弟』の世界観に改めて触れることができます。

また、作者・小山宙哉氏の制作現場や連載開始当時のメモ、制作に使われた道具など貴重な資料を展示。コミック累計発行部数を宇宙スケールで可視化する展示など、創作の裏側とリアルな宇宙開発のデータを交えながら、作品の背景に迫ります。

そして、作品に登場する伝説的な宇宙飛行士ブライアン・Jの名言「人の人生にはいくつもの“夢のドア”がある」をモチーフにした空間展示も必見。立体的な扉のインスタレーションや複製原画、名言の展示を通して、来場者自身が夢のドアをくぐり抜けるような体験ができます。六太と日々人の月面ミッションにも焦点を当て、『宇宙兄弟』の過去・現在・未来が交差するフォトジェニックな展示空間となっています。

さらに、館内の「LOUNGE Q」では企画展特別映像を上映。巨大スクリーンに映し出される『宇宙兄弟』の世界を楽しめます。ほかにも、VRコンテンツ「THE MOON CRUISE」では期間限定で企画展ビジュアルが登場します。

また、展示エリア内に隠されたオノマトペを探すミッションや、館内展示とのコラボレーション企画など、作品世界をさまざまな角度から体験できる仕掛けも用意されています。

夢を追うこと、挑戦すること、そして新しい扉を開くこと。『宇宙兄弟』が描いてきたメッセージを、宇宙をテーマにした体験型施設で改めて感じられる展覧会です。

会期：2026年1月16日（金）～2026年4月19日（日）※最終日は17:00まで
会場：Space Travelium TeNQ 企画展示エリア（東京都文京区後楽1-3-61　黄色いビル 6F）
料金：入館料に含む（入館料金：一般 平日2,500円／土日祝・特定日3,000円、中高生1,800円、小学生1,300円、3歳以上の未就学児 800円、2歳以下は無料）


※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。
※10歳未満のお子様のご入館には中学生以上の同伴者が必要です。
※7歳未満のお子様、VR利用規約の記載内容に該当する方はVRコンテンツをご体験いただけません。あらかじめご了承ください。
※館内にあるVRコンテンツを体験される7～12歳の方は、18歳以上の保護者の同伴（1名に対し保護者1名）と親権者の同意書が必要です。

夢のドアをひらく。宇宙への憧れを広げた名作の世界へ

A Bunch of Stuff – Tokyo

2025年11月28日（金）から2026年5月6日（水・祝）まで、高輪ゲートウェイのNEWoMan TAKANAWA South 2F「＋Base 0」にて、ジョニー・デップのアート展「A Bunch of Stuff - Tokyo」が開催中です。

ハリウッドきっての変幻自在な俳優として知られるジョニー・デップには、アーティストの一面があります。本展では、本人のアート作品をはじめ、大規模な没入型展示を通じて、彼の芸術的世界を公開します。

デップにとっての絵画とは、映画や音楽で名声を得る以前から、思索にふけり、日常を逃れるための深い「聖域」でした。スケッチや絵画、シルクスクリーンの実験に満ちた彼のスタジオは、創造性が自由に流れるプライベートな空間であり、その空気感そのものが本展の核となります。

今回、米国外では初となる試みとして、デップのスタジオから直接100点以上の作品や私物、貴重なアイテムを東京へ運び出し、彼のアトリエの雰囲気をそのままに再現しました。30年以上前の自画像から近年の表現豊かな作品まで、一点一点が彼の経験や感情、想像力の断片を映し出します。来場者は「作品を鑑賞する」というよりも、「創作の現場に立ち会う」感覚でデップの世界観に入り込むことができます。

会場は、空間ごとに演出の表情が変わる没入型の構成。ボヘミアンなスタジオを思わせる空間や、フランスのアトリエを散策するように作品世界を巡るゾーンなど、シーンごとに異なる感情が立ち上がります。

さらに、亡き愛犬Mooh（ムー）とともに花畑に包まれる演出など、鑑賞者の感覚に直接触れる体験が連続します。映画のような音響とアニメーションに包まれる没入型の空間に身を置くことで、デップの創造的宇宙に触れることができます。

なかでも象徴的な体験として用意されるのが、「ブラックボックス」で鑑賞する没入型ショートフィルムです。ジョニー・デップ自身のナレーションとともに、絵画が映像化され、360度の音と光に包まれながら、記憶や思考の断片をたどるような鑑賞体験へと導かれます。

さらに東京会場では、日本限定の没入型空間が登場するほか、体験の余韻を広げる「A Bunch of Stuff」カフェ＆バーも展開。鑑賞前後の時間まで含めて一続きの体験として設計されています。会場では日本限定グッズに加え、ニューヨークで人気を博したアイテムも展開予定。展示の記憶を持ち帰る楽しみも用意されています。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2025年11月28日（金）～2026年5月6日（水・祝）
時間：10:00～20:50（最終入館 20:00）
会場：高輪ゲートウェイ NEWoMan TAKANAWA South 2F「＋Base 0（プラスベースゼロ）」
住所：〒108-0074 東京都港区高輪2-21-2
アクセス：JR山手線・京浜東北線／根岸線「高輪ゲートウェイ駅」直結
入場料（税込）：大人 3,190円／子ども（4～12歳）2,090円（税込）※3歳未満無料 


※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。


表現者の魂に触れる。ジョニー・デップが誘う、創作の深淵

リカちゃんのON/OFF展

2026年2月3日（火）から2月23日（月・祝）まで、ルクア大阪 9階「LUCUAホール」にて、「リカちゃんのON/OFF展」を開催中です。

1967年の誕生以来、リカちゃんは時代の空気や価値観を映しながら、世代を超えて親しまれてきました。「ごっこ遊び」や「おしゃれ遊び」を通して、子どもたちの憧れや夢を形にしてきただけでなく、近年では、リカちゃんとともに成長してきた大人世代に向けた展開も広がっています。

本展は、リカちゃんのコーディネート、洋服作り、 SNS への写真投稿など大人の「#リカ活」をテーマにした初の展覧会です。リカちゃんを通して、現代社会の大人が日々行き来する「ON」と「OFF」の姿に寄り添います。

会場では、人気クリエイター「現実を生きるリカちゃん」とのコラボレーションによるジオラマ展示を展開。〈職業編〉〈プライベート編〉〈恋愛編〉の3つのシチュエーションを軸に、「あるある」と共感してしまう日常のワンシーンを立体的に再現します。細部まで作り込まれたジオラマは、思わず写真に収めたくなる世界観です。

また、美容・ファッション分野の専門家が、骨格やパーソナルカラーの視点から「なぜリカちゃんはかわいいのか」を本気で分析する展示も見どころのひとつです。かわいさの理由を理論的に考察することで、自分自身の装いやメイクに役立つヒントを得られます。

「#リカ活」を体験できるフォトスポットも会場内に多数設置。リカちゃんを持参して撮影を楽しんだり、撮影したリカちゃんをアイコンにしたりと、自分なりの「リカ活」を体験できます。

さらに、本展のコンセプトにあわせて制作された展覧会オリジナルのリカちゃんも数量限定で登場します。ONとOFF、それぞれのコーディネートがセットになった特別仕様で、展示の余韻を自宅でも楽しめるアイテムです。


ONをがんばる日があるから、OFFの時間が愛おしくなる。『リカちゃんのON/OFF展』は、リカちゃんの姿を通して、自分自身のONとOFFをやさしく見つめ直すきっかけをくれる展覧会です。

edit & write: yoko sueyoshi

●大阪会場
会期：2026年2月3日（火）～2月23日（月・祝）
会場：ルクア大阪 9F「LUCUAホール」（大阪市北区梅田3-1-3）
時間：10:30～20:30（最終入場は閉場30分前まで）※最終日のみ17:00閉場
入場料（税込）：一般（高校生以上）1,800円、小・中学生 1,300円、オリジナルリカちゃん付きチケット 10,600円
※未就学児は入場無料です。
※各会場での当日券の販売はございません。事前にアソビュー！でご購入ください
※障がい者手帳をお持ちの方（介助者1名を含む）は通常料金の半額となります（要証明）。
※オリジナルリカちゃん付きチケットに障がい者割引は適用されません。
※混雑時には入場整理券の配布や入場制限を行う場合があります。
※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

●東京会場
会期：2026年3月4日（水）～31日（火）
会場：LUMINE 0　NEWoMan新宿店　5F（東京都渋谷区千駄ヶ谷5-24-55）
時間：11:00～20:00（最終入場は閉場30分前まで）※最終日のみ17:00閉場
入場料（税込）：①平日／一般（高校生以上）2,000円、小中学生1,500円、オリジナルリカちゃん付きチケット 10,800円　②土日祝／一般（高校生以上）2,200円、小中学生1,700円、オリジナルリカちゃん付きチケット 11,000円
※未就学児入場無料
※各会場での当日券の販売はございません。事前にアソビュー！でご購入ください
※障がい者手帳をお持ちの方（介助者1名を含む）は通常料金の半額となります（要証明）。
※オリジナルリカちゃん付きチケットに障がい者割引は適用されません。
※混雑時には入場整理券の配布や入場制限を行う場合があります。
※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

「あるある」が止まらない。働くリカちゃんの愛しい日常

Netflix 渋谷リアル・イカゲーム

2026年1月16日から7月20日（月・祝）（予定）まで、渋谷フクラス内「東急プラザ渋谷」3階にて、体験型アミューズメント施設「Netflix 渋谷リアル・イカゲーム」がオープンしています。

世界的社会現象となったNetflixシリーズ『イカゲーム』の世界観を実体験できる、日本初上陸のアミューズメントパークです。2024年10月のニューヨークを皮切りに、マドリード、ソウル（聖水洞）、ロンドン、シドニー、ロサンゼルスを巡回してきた国際的プロジェクトが、満を持して渋谷に登場しました。

来場者は入場後、「FACE SCAN」ゾーンで顔をスキャンし、プレイヤーとして登録されます。鮮烈な色彩と不穏なコントラストに満ちた空間で自動音声の指示に従ううちに、現実からフィクションへと静かに引き込まれていきます。

続く「BANK ROOM」は、作中の宿舎を完全再現した圧倒的な空間。無数の二段ベッドが並ぶ中、フロントマンによるブリーフィングが流れ、ゲームへの緊張と期待が一気に高まります。

ゲームエリアでは、作品に登場する6つのサバイバルゲームを体験します。第1ゲームは「TUG OF WAR（綱引き）」。個人戦でありながらチーム戦でもある緊張感が特徴です。第2ゲーム「MARBLES（ビー玉遊び）」では、指定エリアにビー玉を投げ入れる集中力が問われます。第3ゲーム「MEMORY STEPS（ガラスの橋）」では、安全なタイルを記憶しながら進む冷静さが試されます。

第4ゲームはシリーズを象徴する「RED LIGHT, GREEN LIGHT（だるまさんがころんだ）」。ヨンヒの呼びかけに合わせて動きと静止を制御する緊張が場を支配します。第5ゲーム「ROUND & ROUND（椅子取りゲーム）」は、光るプラットフォームをめぐる瞬発力勝負。最終ラウンドでは2名の勝者が決まります。

そして第6ゲーム「THE LAST SUPPER（最後の晩餐）」。上位6名のみが参加できる最終決戦で、最初に3勝したプレイヤーが優勝者となり、特別な「VIP ROOM」へと招かれます。

ゲーム体験に加え、「ヨンヒの遊び場（グッズ売り場）」やコラボカフェも充実しています。プレイヤーの緑ジャージをはじめ、Tシャツ、フーディ、ステッカー、缶バッジなど、日本限定アイテムが多数並びます。カフェでは、赤と緑、○△□といった象徴的モチーフを味や色、仕掛けに落とし込んだ没入型メニューを楽しめます。

『イカゲーム』の世界の緊張、興奮、そしてスリルを追体験できる没入型アミューズメントで、物語が空間へと拡張された新しいエンターテインメントを体感してみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年1月16日（金）から7月20日（月・祝）（予定） 
営業時間：11時～21時30分 
会場：渋⾕フクラス 内 東急プラザ渋⾕ 3 階 
チケット料金（税込）： 【平日】一般（大学生以上）3,900円 / こども（小・中・高）3,300円 / 貸切枠76,000円、VIPチケット（1ドリンク付き）2,000円 / 特典引き換えチケット11,000円 
【土日祝日】一般（大学生以上）4,100円 / こども（小・中・高）3,500円 / 貸切枠80,000円、VIPチケット（1ドリンク付き）2,000円 / 特典引き換えチケット11,000円 
※未就学のお子様のご入場は無料ですがゲームに参加する場合はチケットが必要となります。 


※展示内容・イベント・開場時間は変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。