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べニューニュース

記憶汚染展

本展は、「行方不明展」「恐怖心展」などシリーズ累計約40万人を動員してきた株式会社闇による最新作です。

「記憶汚染展」は、展示を眺めるだけの展覧会ではありません。自分自身の記憶と向き合い、その確かさを疑ってみる体験型の展覧会です。私たちが「これが現実だ」と信じていられるのは、自分の中にある記憶を拠り所にしています。しかし、もしその記憶が事実と異なっていたとしたら、これまで信じてきた現実は、一体どうなってしまうのでしょうか。

本展が扱うテーマのひとつが、「マンデラエフェクト」と呼ばれる現象です。実際には存在しない出来事や事実を、多くの人が「確かにそうだった」と記憶してしまう現象を指します。

パンダの尻尾は、本当に黒かったでしょうか。ベートーヴェンは肖像画の中で、羽ペンを握っていたでしょうか。「ヴィーナスの誕生」で女神が立っていたのは、開いた二枚の貝の上だったでしょうか。

知っているはずなのに、問いかけられた途端に自信がなくなる。会場では、そうした小さな迷いを生む展示を通して、「正しい記憶」と「誤った記憶」の境界がじわじわと揺さぶられていきます。

本展最大の特徴は、来場者自身が「記憶を選ぶ」ことにあります。入場時に渡される一枚のシール。会場の一角には、実在するものと、出典や真偽の定かでないものが入り混じった展示が並びます。その中から、自分の記憶が「正しい」と感じたものを選び、シールを貼っていきます。頼れるのは、自分が覚えていることと、目の前のものを見たときに抱いた感覚だけです。

会場では、こうした記憶の曖昧さを視覚化した展示や映像も展開されます。見て、触れて、覚え、選ぶ。この一連の行為を通して、記憶と現実の境界が浮かび上がっていきます。

このユニークな体験を形にしたのが、多彩な分野で活動するクリエイターたちです。制作にはエンターテインメント領域に特化したエンジニアリングカンパニー、TwoGateが参加。脚本をWebメディア「オモコロ」のライターとしても知られる作家・品田遊（ダ・ヴィンチ・恐山）氏、キービジュアルを音楽・ファッション・広告など幅広い分野で活躍するアートディレクター・永戸鉄也氏が担当しています。

会場を出たあとも、「自分が覚えていたことは、本当に正しかったのか」という問いはきっと残り続けます。見慣れたはずのものを、ふと確かめたくなったとき、すでに記憶の汚染は始まっているのかもしれません。


edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年8月2日（日）～9月6日（日）
会場：BEAMギャラリー（東京都渋谷区宇田川町31-2 渋谷BEAM 4F）
時間：10:00～20:00（最終入場は閉館60分前、所要時間約90分）※8月2日（日）のみ11:00開場
入場料：2,300円（税込）※音声ガイド付きチケット 3,290円（税込）※小学生以上一律、各種割引なし

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。
※音声ガイドの利用には、自身のスマートフォンとイヤホンが必要です。通信費は利用者の負担となります。

その記憶は本当に正しいのか。現実を疑い始める体験型展覧会

ミライのヒント

イベント会場を選ぶ際、アクセスや収容人数、設備、コストといった条件は欠かせません。一方、その場所が持つ景観や音、人の流れまで企画に取り込むことで、そこでしか生まれない体験をつくることもできます。

芸能山城組の「ケチャまつり」は、1976年の第1回から、JR新宿駅西口から徒歩約5分の場所にある、新宿三井ビルディングの55HIROBAを主な舞台としてきました。新しく生まれた広場と、都市で新たな祭りを実践しようとしていた山城組は、どのように出会い、約50年にわたる関係を築いてきたのでしょうか。

前編に続き、2025年より芸能山城組に「祭仲間」として活動参加するベニューリンク編集部の尾亦が、40年以上にわたり活動を続けている本田学氏に、会場選定と施設との関係づくりのヒントを聞きました。

（Profile）
本田 学（ほんだ・まなぶ）氏
国立精神・神経医療研究センター 神経研究所 部長
1988年京都大学医学部卒業。1995年京都大学医学研究科博士課程修了。米国国立保健研究所（NIH）訪問研究員、自然科学研究機構生理学研究所准教授などを経て、2005年9月から現職。学生時代は関西地方を中心に活動し、ケチャまつりや公演などの大きなイベントごとに東京に通っていた。大学院入学と同時に、芸能山城組の中の研究集団である文明科学研究所（所長：大橋力、芸能山城組組頭・山城祥二の本名）の一員として本格的に研究活動に参画。現在は、組頭・山城祥二こと科学者・大橋力が発見したハイパーソニック・エフェクトを健康・医療領域に応用した「情報医療」の研究開発に取り組んでいる。

尾亦耕平（おまた・こうへい）
電通ライブ 経営推進局 AI・ワークイノベーション部、ベニューリンク編集部所属。大学で建築を学ぶもドロップアウト。映画好き（もちろん『AKIRA』大好き）が高じて、広告映像の世界へ。フィルム、デジタル／リアル空間体験、アート〜ストーリーテリングまで幅広く手がける。音に人一倍こだわりをもち、水族館やフラワーアート展示などにおけるサウンドインスタレーションを行ってきた。2024年にケチャまつりを初鑑賞。文字通り心動かされ、祭りの設営や露店などの運営支援、一部演目を担う「祭仲間」として芸能山城組に参画。2025年に夏のケチャまつり、冬の公演に続き、今夏のケチャまつりに向け年始早々に有給取得申請済み。目下、毎週の稽古や美術セットづくりを手伝う。

条件よりも情景を。新宿の高層ビル群に、なぜ祭りを持ち込んだのか

尾亦　前編では、都市で失われた祭りを未来のプロトタイプとして実践する意義を伺いました。後編では、その実践の舞台である新宿という場所について深掘りさせてください。イベントの会場選びではスペックが重視されがちですが、山城組の会場選定には、アクセスや収容人数だけでは測れない非常に強い思想を感じます。

本田　山城組が55HIROBAを選んだのは、単に広いスペースが空いていたからではありません。あの空間は、当時の近代建築技術の粋を集めた、極めて先端的な都市構想を実現しようという場所です。

超高層ビルが林立する予定(当時は現在の半分以下)のなかで、広場は周囲の街路のレベルから一段下がったサンクンガーデンです。広場自体がアリーナ型になっていることと周囲をビル群に囲まれていることで、良い具合に開放的でありながら、良い具合に閉じられた、独特の構造になっています。

そして、レンガ調のタイルの広場には樹冠がリッチなけやきがほどよく配置され、レンガタイルと樹冠の反響で音響的に優れた特性がありました。視覚的にも、モノトーンの高層ビルのなかで、樹木と土を感じさせる自然とつながる癒し情報を唯一持っていました。


尾亦　高層ビルに囲まれた広場で、裸足の人たちが声と身体だけで演じる。あのコントラストは、森や郊外ではなく高度経済成長期の象徴である新宿でこそ生まれる演出でもあったのですね。

本田　その通りです。組頭・山城は、伝統的な芸能を昔ながらの場所で行うのではなく、最も先端的な場所で祭りをつくることに面白さを感じていました。近代的な高層ビルと、人間の身体や声だけによるケチャが同じ場所にある。その組み合わせによって、双方が互いを強く際立たせるんです。

尾亦　会場を選ぶというより、企画の意味を最も引き出せる場所を見つけた、ということですね。

本田　そうだと思います。人が集まれる場所なら、どこでも良いわけではありません。近代文明批判の象徴としての祭りをその場所に置いたとき、音がどう響くのか、人がどう集まるのか、周囲の景観とどんな関係が生まれるのか。55HIROBAには、ケチャまつりを物理的に成立させる条件だけでなく、あえて最先端の都市という印象そのものを強める力がありました。


貸す側・借りる側を超えた共鳴。広場との出会いが、祭りの形をつくった

尾亦　55HIROBAとの出会いは、イベント制作者としてもとても興味深いです。完成した会場へ企画を持ち込んだというより、広場と祭りがお互いを選び合ったようにも感じます。

本田　まさに、その感覚ですね。当時、三井不動産の本社は新宿三井ビルにありました。しかし、そのころの新宿は東口ばかりに人が集まり、西口にはそこで働くビジネスパーソン以外、ほとんど人が寄り付かない状況でした。せっかく55HIROBAを造ったものの、一向に人が集まらなかったのです。

そんなとき、山城が、伝統的な共同体を基盤とする人間本来の祭り「ケチャまつり」を構想していました。山城は、この熱いエネルギーを持つ祭りを、あえて近代都市の最先端で開催することに意味があると考え、55HIROBAも候補地の一つとして検討していました。

西武百貨店を中心とした日本最大級の流通系グループだったセゾングループの代表だった堤清二さんをはじめとする、多くの山城組の応援団が熱心に会場を探していたため、その噂は三井不動産の広報室長であった鬼澤正さんの耳にも届いたのだと思います。さらに、55HIROBAの設計コンセプトに携わっていたイベントプロデューサーの浜野安宏さんも山城と親交があり、「ケチャこそ55HIROBAのためにあるような芸能だ」と強く推薦してくれたのです。

類いまれな条件とポテンシャルを持つ55HIROBAと、最先端の都市で祭りをやりたかった山城が結びついたのは、ある意味で必然だったのかもしれません。こうして、「新宿ケチャまつり」の開催が実現へと向かっていきました。


尾亦　つまり「広場の価値を育てたい施設側」と「都市で祭りを実践したい山城組」の思いが重なったわけですね。

本田　そうです。「この広場で何を育てたいか」という思いを、施設側だけでなく、広場のコンセプトメーカーや設計者はもちろん、地域計画、新宿新都心開発協議会、新宿三井ビル商店会、地元住民まで共有していくこととなり、長い付き合いにつながりました。

尾亦　1976年の第1回開催から、どのようにして半世紀に及ぶ関係へとつながっていったのでしょうか。

本田　初回を開催した直後、広報室長の鬼澤さんは「ぜひ来年も、ここでやってください」と言ってくださったんです。

過去に例のない取り組みでしたから、最初はどういう反応が出るか予想できなかったわけですが、積み重ねにより、翌年、さらにその次の年へとつながっていったんです。なにより、観客として毎年来てくださるお客様の支援が大きいと思います。世代を超えて来てくださるご家族もいます。

尾亦　イベントを制作する際は、会場は条件によって変わるものという考え方もあります。一方で、同じ場所を育てるという考え方もあるのですね。

本田　そうですね。ただ、ケチャまつりは55HIROBAだけで開催していたわけではありません。かつては西武グループの新しいショッピングセンターや駐車場に招待され、大型バスや11トントラック数台を連ねて全国を巡業した時期もあります。

だからこそ分かったのは、「開催できる場所」と「この祭りが最も力を発揮できる場所」は違うということでした。当然ですが会場ごとに山城はその空間に合った演出を考えて実施してきました。場所が変われば、祭りの見え方も体験も変わります。

55HIROBAには、都市の真ん中にありながら人が自然と滞留できる広がりがあります。高層ビルに囲まれたスケール感、音の響き、人の流れ、広場全体の空気感が重なって、ケチャまつりという体験が生まれています。逆に言えば、ケチャまつりもまた、55HIROBAによって形づくられてきたんです。

尾亦　完成された会場に企画を綺麗に当てはめるのではなく、都市空間の制約や課題をクリエイティブに解決する中で、あの場所ならではの形がつくられていったのですね。

本田　そうですね。その場所が持っている歴史や景観、人の流れ、空気まで含めて企画になる。だから山城は、「ここを借りよう」という感覚より、「この場所でしか生まれない祭りをつくろう」という感覚で、55HIROBAと向き合ってきたといえます。


脳を揺さぶる快感が都市に必要。祭りは繰り返すことで文化になる

尾亦　約50年にわたり同じ場所で反復し続けたことで、ケチャまつりは新宿の夏の風物詩になりました。多様で斬新なイベントが求められる中、繰り返し開催することの価値をどのような部分に感じていらっしゃいますか。

本田　山城が提唱した、人間の脳の階層構造についてのモデルを踏まえてお話したいと思います。脳の一番外側には経験で書き換わる「大脳皮質」があります。この部分は経験に大きく依存するので、個人の好みによって働きが異なる。その内側の中間層には文化で決まる「大脳基底核」があります。社会や文化ごとに異なる好みを生み出すが、同じ社会や文化の中では同じものが好まれる。いわゆる「刷り込み脳」とも呼ばれる場所です。そして、最も深いコアにあるのが、私たちがケチャまつりでターゲットとしている「脳幹」です。

「脳幹」の構造や機能は、個人を超えて人類共通なので、ここには好みの多様性は存在せず、全人類が理屈抜きで同じ反応を示します。脳幹を刺激する強力な情報のひとつが、ケチャやガムランが刻む16ビートです。これは西洋音楽が生まれるよりもはるか昔、100万年前の狩猟採集民の時代から人類が共有してきたビートと考えられています。

もうひとつの例が、山城こと大橋が発見した「ハイパーソニック・エフェクト」を引き起こす、人間の耳には聞こえない20kHz以上の超高周波を豊富に含む音です。ガムランの響きやケチャの叫び声は超高周波をたっぷりと含んでいます。

CDなど従来のデジタル音響技術では、「聞こえないから」という理由で超高周波を一律カットしてしまいますが、超高周波を豊富に含む音を浴びると、快感を司る脳の「報酬系」が劇的に活性化することが先端的な脳イメージングで明らかにされています。

尾亦　なるほど、だからケチャのビートと響きに、理屈抜きで人を引きつけるのですね。 

本田　こうした超高周波は、人類の遺伝子と脳が進化のなかで創られた熱帯雨林の自然環境にはふんだんに含まれていますが、現代のコンクリートに囲まれた都市環境では、致命的に欠落しています。自力で脳の報酬系を興奮させられなくなった都市生活者が、その乾きからアルコールやギャンブルなどの依存症に陥ってしまうのは、ある意味で当然の飢餓状態なのです。

だからこそ私たちは、人間が健康に生きるために不可欠なこの「脳幹直撃の快感」を、薬物でもお金でもなく、人と人が力を合わせるお祭りという健全な形で都市に供給しているのです。

尾亦　人類共通の心地よさが、新宿のあの広場で毎年立ち上がる。それが「またあの季節が来たら、あの場所に行かなければ」という強い引力になっていくわけですね。

本田　まさにその通りです。少し余談になりますが、急な斜面で水田農耕を行っているバリ島は、水の奪い合い、すなわち「水争い」が起こりやすいという潜在的な社会構造があります。それにもかかわらず、現地で調べてみても水争いの記録がほとんど残っていません。

というのも、水争いで村が分裂すると、全員で力を合わせるお祭りができなくなり、お祭りの中で生み出される「トランス状態」という究極の快感を味わえなくなるからだとも考えられます。祭りの中で生み出される快感が持つ強い引力が、人々の分断やいさかいを未然に防ぐシステムとして機能してきたわけです。



尾亦　都市生活の中で分断されがちな現代人が、55HIROBAに集まって一体感を味わうことにも、それと同じような現代的な救いがあるように感じます。

本田　現代のイベント制作者の方々に伝えられることがあるとすれば、流行や「大脳皮質」レベルの多様性だけに振り回されず、人間が遺伝子レベルで求めているコアの部分に訴えかける場をつくる、という視点です。目先の経済的な対価や効率だけを優先すると、この本質的な部分が崩れてしまいます。

尾亦　単発型のイベントは、目先の効率や一度きりの消費で完結してしまいます。しかし、施設側と主催者が長期的なパートナーとして関係を結び、一つの場所に体験を積み重ねていくことで、場所に個性が生まれ、繰り返される催しはやがて「文化」と呼べるものへと育っていく。それこそが、単発のイベントでは生み出せない価値ではないでしょうか。

前編では、祭りとは人と人とのつながりを育む営みだと伺いました。その営みは、実は人だけでなく「場所」そのものも育てていくのだと思います。だからこそ企画において大切なのは、「どこを借りるか」という選択以上に、「その場所とどう時間を重ねていくか」という視点なのではないかと感じています。今回は貴重な対話の時間をありがとうございました。


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「第48回 芸能山城組 ケチャまつり」は7月29日（水）〜8月2日（日）、新宿三井ビルディング 55HIROBAにて開催。最新情報はSNS（X・インスタグラム）よりご確認下さい。

X：@yamashirogumi｜Instagram：@yamashirogumi_official｜芸能山城組公式サイト：www.yamashirogumi.jp

また、今年11月22日（日）、なかのZEROにて「幻響『鳴神』」を上演します。歌舞伎十八番『鳴神』をモチーフとし、1978年から40年以上にわたり上演されてきた山城組の代表作「群芸『鳴神』」を新たな形で再創作した舞台です。8年ぶりの上演となる本公演では、山城組入門初心者「花若」や「祭仲間」として、出演・参加することもできます。

write & edit: yoko sueyoshi
photo: hideki ookura



【後編】新宿55HIROBAとケチャまつり。半世紀続く「場所」と「祭り」の関係

「完成された体験」を来場者に届ける。多くのイベント制作がそうした発想に立つ中、異なるアプローチで祭りをつくり続けてきた集団があります。それが芸能山城組です。1974年の結成以来、世界各地の民族芸能を自ら調査・研究しながら実践を続けてきた有志の集団でありながら、映画『AKIRA』の音楽を手がけたことでも国内外にその名を知られています。

彼らが目指してきたのは、観客と演者を分けない「都市における未来の祭り」のプロトタイプをつくること。毎年新宿で開催される「ケチャまつり」の準備や運営の段階から人を迎え入れ、約50年という時間をかけて、一つの文化とコミュニティを育んできました。人が集まり、つながり、やがて自らも担い手へと変わっていく。そんな場は、いったいどのようにつくられるのでしょうか。

2025年から芸能山城組の活動に加わったベニューリンク編集部の尾亦耕平が、40年以上にわたり活動を続けている本田学氏に、イベントの参加設計と組織づくりのヒントを聞きました

（Profile）
本田 学（ほんだ・まなぶ）氏 
国立精神・神経医療研究センター 神経研究所 部長
1988年京都大学医学部卒業。1995年京都大学医学研究科博士課程修了。米国国立保健研究所（NIH）訪問研究員、自然科学研究機構生理学研究所准教授などを経て、2005年9月から現職。学生時代は関西地方を中心に活動し、ケチャまつりや公演などの大きなイベントごとに東京に通っていた。大学院入学と同時に、芸能山城組の中の研究集団である文明科学研究所（所長：大橋力、芸能山城組組頭・山城祥二の本名）の一員として本格的に研究活動に参画。現在は、組頭・山城祥二こと科学者・大橋力が発見したハイパーソニック・エフェクトを健康・医療領域に応用した「情報医療」の研究開発に取り組んでいる。


尾亦耕平（おまた・こうへい）
電通ライブ 経営推進局 AI・ワークイノベーション部、ベニューリンク編集部所属。大学で建築を学ぶもドロップアウト。映画好き（もちろん『AKIRA』大好き）が高じて、広告映像の世界へ。フィルム、デジタル／リアル空間体験、アート〜ストーリーテリングまで幅広く手がける。音に人一倍こだわりをもち、水族館やフラワーアート展示などにおけるサウンドインスタレーションを行ってきた。2024年にケチャまつりを初鑑賞。文字通り心動かされ、祭りの設営や露店などの運営支援、一部演目を担う「祭仲間」として芸能山城組に参画。2025年に夏のケチャまつり、冬の公演に続き、今夏のケチャまつりに向け年始早々に有給取得申請済み。目下、毎週の稽古や美術セットづくりを手伝う。


人が集まり、つながる「祭り」を都市につくる

尾亦　私は2024年に、観客としてケチャまつりを訪れ、その場に生まれる一体感や熱気に引き込まれました。翌年には、自分もつくり手として関わりたいと思い、組員と一緒に祭りを支える「祭仲間」として参加しました。芸能山城組（以下、山城組）は長年、世界各地のコミュニティに伝わる祭りのフィールドワークを重ねてきたそうですが、そこからどのような気づきや共通点が見えてきたのでしょうか。

本田　まず、「地球上にお祭りを持たない民族はない」ということです。どの地域でも、人は祭りを中心に集まり、お金や時間、労力などを持ち寄って場をつくっています。音楽や踊りだけではなく、工芸や美術、食事や交流まで含めて、さまざまな要素が混然一体となった場ができあがっていきます。

さまざまな文化圏の祭りを調べる中で、人間にとって祭りとは、健康に生きるための「必須の栄養素」のような営みなのだと確信するようになりました。



尾亦　そうした祭りを、なぜあえて都市の中につくろうと考えたのでしょうか。

本田　今でこそ、共同体のつながりや地域の祭りの価値が見直されていますが、山城組がケチャまつりを始めた1970年代は、高度経済成長の真っただ中、西欧文明万歳の時代でした。

猛烈に働くことが優先され、祭りや共同体は、大いなる無駄であり、克服すべき古い慣習のように捉えられていた時代です。経済的な対価を生むための催しはあっても、人々が時間や労力を持ち寄り、ともにつくる祭りは、都市からほとんど失われていました。

山城組の組頭（リーダー）である山城祥二は、祭りが失われていくことを嘆いたり、言葉で批判したりするのではなく、自分たちの手で本物の祭りを実際につくってみようと考えたのです。そこで、「都市における未来の祭り」のプロトタイプとして始めたのが、ケチャまつりです。

バリ島という土地が育んだケチャは、極めてダイナミックかつ、他には類を見ない独特な伝統芸能として知られています。通常の音楽とは異なり、指揮者やメトロノームといった全体を制御する同期信号なしに、100人以上の演奏者が、「チャッ」という人間の叫び声からなる複数のリズムパターンを組み合わせることで、高速の16ビートの合唱を生み出すところに、その大きな特徴があります。


それは、演奏者全員が互いに気合いを合わせて高度に同期しないかぎり、創り出せません。まさに、以心伝心、阿吽の呼吸が満ちあふれた人間の群れが実現しないと生まれない芸能なのです。

演じる人たちが祭りを通じてつながると同時に、そこへ集まった人たちとも音楽や踊りを通して祭空間を共有する。同じ空間に集まり、オフラインで同期することで、みんなで一緒に感動や快感を味わい、「祭りっていいね」と感じてもらう。そうした実体験を通じて、祭りの価値を実体先行で示していこうと考えたのです。


尾亦　イベントも、人を集めて楽しんでもらう点では祭りと共通しています。違いは、目的の置き方にあるのでしょうか。

本田　そうですね。多くのイベントでは、人を集めて楽しんでもらうのがゴールではなく、それを手段として用いることで、経済的な利益や事業上の成果といった「目的」を得ようとすることが多いように思います。

一方、共同体の祭りは、参加する人たちが経済性や効率性を優先せず、群れの力を結集して、さまざまな苦労も共有しつつ祭りの準備をします。祭り当日はパフォーマンスで同期して快感という報酬を得る、そしてリアルな人間同士の信頼感と協調性を強化することが、ゴールのひとつです。

もちろんケチャまつりでも、縁日で冷たい飲み物や記念グッズを販売したり、公的機関から助成を受けたりすることもあります。ただ、それは祭りを維持し翌年へつなぐための手段であり、経済的な利益を目的にはしていません。

尾亦　芸能を生業にしないことも、大切にされていますね。

本田　はい。山城組は誰にでも開かれていますが、音楽を生業にするプロの方は入門をお断りしています。

その最大の理由は、音楽や芸能で経済的対価を得なければならないプロになるとさまざまな制約が出るためです。経済効率を考えなくてもよい最も贅沢な表現活動を実現するためには、アマチュアでなければならないのです。

たとえば、私たちは2年に一度、メンバー全員が自費でバリ島へ行き、現地の共同体の師匠から芸能を学びます。バリ島の芸能は、共同体をベースにしてできており、特定の個人が技術を習えば成立するものではありません。人と人とが、いかにして心を一つにして力を合わせられるかが決め手になり、芸能を支える社会システムのあり方から学ばなければなりません。

バリ島芸能の真髄を学ぶためには、個人の技術だけでなく、個人間の関係性のあり方を含めて学ぶ必要があるのです。そのためには、全員でバリ島に行くしかありません。しかし、そんなことをしていたら、とてもじゃないですが、プロでは採算が取れません。

このように、プロになれば、生活を維持し、採算を合わせるために表現上の妥協をしなければならないことも多々あります。自分たちが本当に求める究極の表現を惜しみなく追求するには、アマチュアであり続ける必要があるんです。



観客と演者を分けない。共感で結びつく共同体

尾亦　芸能山城組の「ケチャまつり」を拝見していると、観客と演者の境界線がどんどん溶けていくような不思議な一体感を感じます。私たちが普段イメージする、いわゆる「観客参加型のイベント」とは何が違うのでしょうか。

本田　ケチャまつりには、「バナナの叩き売り」のような観客参加型の演目があり、高い人気を博しています。ただ、私たちが言う「観客と演者を分けない」というのは、単に観客参加型の演目を用意するだけではありません。

より本質的なのは、去年は見ていた人が「今年は自分もやってみたい」と思ったら、祭りの準備や運営から参加してもらうことです。仕込みの段階から一緒に関わらないと、本当の祭りの味わいは分かりませんから、お祭りを支えてくれる人たちには、かなり広く門戸を開いています。

そうやって、観客だった人がいつの間にか祭りの仲間となり、演じる側にもなっている。それこそが、私たちの考える「観客と演者を分けない」ということなんです。



尾亦　なるほど、関わる人たちの関係性そのものを変えていくのが本来の「祭り」の姿なんですね。私自身もそうですが、そうした体験に惹かれて集まる方は多いのでしょうか。

本田　非常に多いですね。毎年楽しみに来てくださる人もいますし、前年に観客として見て、翌年から参加する人もいます。

現代の都市では、昔の村のように「同じ土地に生まれ育ったから」という理由で、自然に共同体をつくることは極めて難しくなっています。だから私たちは、自分たちが何をしようとしているのかを伝え、実際に祭りを味わってもらい、共感した人たちを集めていく必要があります。

土地によって結ばれるのではなく、体験や考え方への共感によって共同体をつくっているともいえます。

尾亦 「共感でつくる、都市の共同体」ですね。ただ、広く門戸を開く一方で、山城組のケチャは圧倒的な完成度を保っています。この「誰でも入れること」と「表現の質を高めること」は、一見すると矛盾するようにも思えるのですが、どうやって両立させているのですか。

本田　そこがケチャという芸能の本当におもしろいところです。先にご紹介したように、ケチャは、4つの異なるリズムパターンを組み合わせたときに、初めて非常に複雑な16ビートが生まれます。

このとき、とても大切なことは、中核となるメンバーが揺るぎない16ビートを奏でることです。中核部分に、新しく加わった人が少しずつ同化していくことで、いつの間にか、リズムパターンが正確に揃ってしまう。そして、いったん揃うと、その中に強力に引き込まれてしまい、それを意図的に狂わせることはほぼ不可能になります。

もちろん、初めて来た人がすぐにすべてできるわけではありません。最初はおぼつかなくても、一緒にやりながら少しずつ身につけていけます。

一方で、あるレベルまで高めるには、時間をかけて、お互いにコミュニケーションを重ねる必要があります。誰一人として落ちこぼれをつくらず、共同体の中で一緒に育てていく。そういった意味で、ケチャとは、まさに「絆の芸能」なんです。


準備のプロセスで人が鍛えられ、関係が深まる

尾亦　ここまでお話を伺うと、ケチャまつりは本番だけでなく、準備や運営の過程にも大きな意味があるように感じます。

本田　そうですね。祭りをきちんと運営できるかどうかには、その共同体がうまく機能しているか、みんなが力を合わせられているかが表れます。

毎年祭りを行うことで、その年の集団の結集力や問題解決力が見えてくる。うまくいけば、「今年はここまでできたね」と、自分たちの状態を確かめることもできます。

パフォーマンスの本番だけでなく、準備を通じて人が鍛えられ、関係が深まっていくことも、祭りの大切な役割なんです。

尾亦　もう少し役割を整理して、効率よく運営することもできそうですが、分業を進めすぎると、山城組らしさが失われるようにも思います。

本田　ケチャまつりでは、祭りを運営する人、仕込みをする人、演じる人が切り離されず、みんながすべての役割を担っています。ケチャまつりだけでなく、私たちがお手本にした伝統的な共同体の祭りは、そういう形を取っていることが圧倒的に多いと言えます。

一方、現代のイベントの多くは、裏方スタッフと出演者がはっきりと分かれていることが多いと思います。目先の効率だけを求めて分業体制にしてしまえば、祭りの持つ最も大切な部分が崩れてしまうのではないかと思います。

ただ、私たちの今のやり方は、まだまだ完成形では決してなく、毎年少しずつ改善し、よりよい仕組みにしていく工夫を絶えず続けています。

尾亦　効率化そのものを否定しているわけではなく、何を残したまま改善するかが重要なのですね。


本田　そうです。バリ島の祭りを調べてみて驚いたのは、外からは、誰が指示を出しているのか、いわゆる指揮系統がまったく見えないことです。長い時間をかけて成熟した人間関係ができているので、都度言葉で細かく指示しなくても、誰がいつ何をするのかが互いに自然に察知され、まさに以心伝心、阿吽の呼吸で物事がスムーズに進んでいくんです。

私たちの場合は、現代に生まれ、西欧文明の強い影響を受けて育った人たちの集まりですから、なかなか同じようにはいきません。本部から明示的に指示を出す必要もあります。それでも、仕込みや運営を一緒に行う中で、自分で考えて動く力や、人との関わり方を少しずつ身につけていくことはできるのではないかと思っています。

尾亦　約50年続けてきたことで、運営のあり方にも変化はありましたか。

本田　長く関わる人が増え、祭りの核になる部分が強くなりました。私もですが、数十年活動を続けている人たちがいて、その間に培われた信頼関係や経験があります。中心がしっかりしているからこそ、新しく入ってきた人を思い切って受け入れ、一人ずつ中へ巻き込んでいけるんです。まさにケチャと同じですね。

信頼関係を築くためには、どうしても時間が必要です。長く続けたことで、新しい人が参加しやすくなったことは、大きな変化だと思います。

尾亦　長年関わっている外部スタッフも、山城組の一員のような関係になっているそうですね。

本田　例えば照明は、私たちだけではできないのでプロの方にお願いしています。ただ、その方々とも50年近い付き合いがあり、多くのことが阿吽の呼吸で進むようになってきています。専門家に仕事を切り出して任せるというより、長い時間をかけて、一緒に祭りをつくる仲間になっている。そうした関係も、継続の中で育ってきました。


尾亦　お金も時間も労力もかかる中で、なぜ約50年も続けられたのでしょうか。

本田　やはり、祭りそのものが楽しいからです。みんなで力を合わせ、祭りがうまくいったときには、大きな喜びがあります。負担が苦しいだけなら、これほど長くは続きません。

祭りでは、お金や時間、労力を惜しみなく注ぎ込みます。それでも続けたいと思えるのは、つくり上げたときに得られる喜びが、それだけ大きいからです。

尾亦　イベント制作にも通じる感覚があります。準備は大変でも、出来上がったものを届け、来場者に喜んでもらえたときには、大きな達成感があります。

本田　そうだと思います。イベントと祭りでは、目的や仕組みが異なる部分もあります。ただ、世界各地の共同体が長い時間をかけて育ててきた祭りには、人を集め、力を引き出し、ともに何かをつくるための知恵があります。

効率だけではなく、つくる過程でどのような関係が育つのか。集まった人が、次の担い手になっていくのか。そうした視点は、イベントづくりにも参考になるのではないでしょうか。

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■ 第48回 芸能山城組 ケチャまつり
新宿三井ビルディング 55HIROBA
2026年7月29日（水）〜8月2日（日） |
入場無料 

飲料・グッズ・音源の物販あり  巨竹アンサンブル〈ジェゴグ〉による『交響組曲AKIRA』の演奏とお客様への手ほどき、ブルガリアとジョージアの伝統合唱、青銅の交響楽〈ガムラン〉の演奏と踊り、岩手県奥州市の奥山行上流餅田鹿踊保存会による「鹿踊」、インドネシア・バリ島の〈ケチャ〉など極上のワールドパフォーマンスが次々に繰り広げられ、人びとをライトトランスの世界へといざないます。

write＆edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura


【前編】祭りは人間の「必須栄養素」。芸能山城組に聞く、人が集い、つながる場の必要性

逃走中リミナルワールド　ＶＲ空間で逃げきれ

2026年6月27日（土）から9月27日（日）まで、お台場・ダイバーシティ東京で、フジテレビの人気番組「逃走中」初となる公式VRイベント「逃走中リミナルワールド VR空間で逃げきれ」が開催されています。

「逃走中」は世界各国で放映され、アニメ化や映画化もした大人気コンテンツ。そのスリルをVR空間へ持ち込み、来場者自らが「逃走者」となってハンターから逃げ切る体験型アトラクションです。

VRの舞台となるのは、「リミナルスペース」をモチーフにした異世界です。「リミナル」とは、境界や移行の途中にある状態を表す言葉。インターネット文化では、人のいない廊下や無機質な待合室、営業時間外の商業施設など、見覚えがあるのに、どこか不気味で現実離れして見える空間のことを指します。

オリジナル衣装をまとい、VRゴーグルを装着した瞬間、プレイヤーは番組の参加者と同じ「逃走者」に。プレイヤーは、同じような部屋や通路が続く「リミナルワールド」を歩きながら、突如現れるハンターから身を隠し、ミッションのクリアを目指します。

広大なフィールドを自由に探索しながら、数々のミッションへ挑みますが、本作は体力勝負の追いかけっこではありません。重要なのは「走る」ことではなく、「隠れる」こと。ハンターの視線をかいくぐり、物陰や部屋を利用して生き残る心理戦が繰り広げられます。

ゲームの最後には、獲得したポイントに応じて逃走者のランキングを決定。一度もハンターに捕まることなく逃げ切ると、「完全制覇」の称号を獲得できます。高得点や完全制覇を目指して、繰り返し挑戦したくなる仕掛けです。

この体験を支えるのが、XR 技術を活用し、次世代のテーマパークを創出する企業、ABALのプラットフォーム「Scape®」です。実際には移動していなくても、広大な空間を歩き回っているように錯覚させる特許技術です。独自の空間拡張技術によって、商業施設の中に大規模なXRアトラクションをつくり出します。

「ハンターが怖い。でも逃げ切りたい」。テレビの前で味わってきた緊張感が、自分自身の体験へと変わる約30分。現実とバーチャルの境界に広がる不思議な空間で、ハンターの気配を感じながら、完全制覇を目指してみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年6月27日（土）～9月27日（日）
会場：ダイバーシティ東京 プラザ6階 ABAL（東京都江東区青海1-1-10）
時間：平日11:00～19:00（最終受付18:30）／土日祝10:00～20:00（最終受付19:30）
※8月の平日は11:00～20:00（最終受付19:30）
※所要時間は約30分
入場料：大人 平日2,700円／休日3,000円、大人ペア割 平日5,100円／休日5,700円、18歳以下 平日2,200円／休日2,500円、小学生（7歳以上）平日1,700円／休日2,000円
※8月3～7日、10日、12～14日は休日料金
※前売りチケットは時間指定制です。当日券も販売されますが、販売状況によって入場待ちや売り切れとなる場合があります。

※7歳未満の方、および身長110cm未満の方は体験できません。
（年齢を満たしていても110ｃｍ未満の場合は体験ができません）
※13歳未満の方の体験には、保護者の同意書が必要です。
※履物が５cm以上の場合は、靴を履き替える場合があります。
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

30分間のスリル溢れる逃走劇。人気TV番組がバーチャル空間に進出

『時をかける少女』公開20周年記念「細田守の原点展」

2026年6月20日（土）から8月31日（月）まで、東京・京橋のCREATIVE MUSEUM TOKYOで、『時をかける少女』公開20周年を記念した展覧会「細田守の原点展」が開催されています。

絵コンテ、レイアウト、原画、背景美術など300点を超える制作資料を過去最大規模で公開。映画や絵画からのインスピレーションを大胆に取り込み、エンターテインメントの第一線を走り続ける細田守監督の映像演出の魅力と、作家としての普遍的なテーマに迫ります。

会場は、『時をかける少女』『サマーウォーズ』『おおかみこどもの雨と雪』、そして学生時代から演出家時代までを紹介する「Early Days」の4つのエリアで構成されています。

『時をかける少女』エリアでは、細田監督が描いた約450点もの絵コンテを展示。アニメーションの設計図とも呼ばれる絵コンテから、レイアウト、背景美術、原画へと映像が完成していくまでのプロセスをたどることができます。主人公・真琴が街を駆け抜ける名シーンを、720枚におよぶ原画とともに映像化した展示や、細田作品を象徴する「空」と「入道雲」に着目した映像展示も見どころです。

『サマーウォーズ』エリアでは、インターネット上の仮想世界「OZ」を体感できる空間が登場。キング・カズマとラブマシーンの等身大フィギュアが来場者を迎えます。さらに、『サマーウォーズ』から『バケモノの子』『竜とそばかすの姫』、最新作『果てしなきスカーレット』へと続く、細田作品ならではの迫力あるアクション表現を映像で紹介。CG表現を取り入れながら進化してきた映像演出の流れを体感できます。

『おおかみこどもの雨と雪』エリアでは、細田監督の故郷・富山をモデルに描かれた豊かな自然を、美しい背景美術とともに紹介。本展のために制作された主要な登場人物、花（物語の主人公である母親）、雨（花の子供で、おおかみの血を引く弟）、雪（花の子供で、おおかみの血を引く姉）の等身大フィギュアや、雪山を駆ける雨と雪の名シーンを、原画と完成映像を組み合わせて体感できる映像展示も楽しめます。

本展ならではの注目エリアが「Early Days」です。中学3年生の夏休みに8ミリフィルムで制作した初の自主アニメーション『one-sided war』や、金沢美術工芸大学在学中に制作した初の実写映画『SILENT』など、これまであまり公開される機会のなかった作品を展示。学生時代の絵画や東映アニメーション時代の資料も並び、細田守というクリエイターのさらなる原点に触れることができます。

展示の最後には、本展限定グッズが100点以上並ぶショップや、『サマーウォーズ』の仮想世界「OZ」をイメージした「OZ Cafe」も登場。『時をかける少女』や『おおかみこどもの雨と雪』など、細田守監督作品の印象的なシーンやキャラクターをモチーフにしたオリジナルメニューも楽しめます。

スクリーンでは一瞬で過ぎ去るカットにも、膨大な試行錯誤と創意工夫が積み重ねられています。制作資料を一つひとつたどることで見えてくるのは、名作の感動だけでなく、その映像を生み出す、創作のまなざしそのもの。細田監督作品を新たな視点から味わえる展覧会をお見逃しなく。


edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年6月20日（土）～8月31日（月）
時間：10:00～18:00（最終入館17:30）
※毎週金・土曜日、祝前日、8月11日（火）～8月14日（金）は20:00まで（最終入館19:30）
会場：CREATIVE MUSEUM TOKYO（東京都中央区京橋1-7-1 TODA BUILDING 6階）
料金：一般・大学生 2,500円／高校生 1,500円／小・中学生 1,000円 ※未就学児無料

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

心を動かす物語のはじまり。スクリーンの向こうにある、創作のまなざしに触れる

100％ドラえもん＆フレンズ in 東京

2026年3月27日（金）から9月30日（水）まで、有明のTOKYO DREAM PARKにて、「100％ドラえもん＆フレンズ in 東京」が開催されています。香港、上海、バンコクなど世界各地を巡回し、多くのファンを魅了してきたドラえもん史上最大級のイベントが、日本へ初上陸。まんが、アニメ、大長編、そして藤子・F・不二雄先生の机の再現など、ドラえもんの魅力を体感できる大型イベントです。

9つのエリアで構成された展示空間「100％ドラえもん まんがワールド展」では、ドラえもん誕生の背景から名シーン、ひみつ道具、大長編シリーズまで、多彩な切り口で作品世界を紹介します。

「友情」「家族」「勇気」「未来」をテーマにした名場面を等身大で再現した「てんとう虫コミックスの世界」では、まるでまんがの中へ入り込んだような感覚に。ページから飛び出したドラえもんが、来場者を物語の中へと誘います。

さらに、全45巻から厳選したシーンを3Dプロジェクションマッピングで上映する「のび太のまんがルーム」も登場。まんがの世界に入り込んでいくような体験が楽しめます。藤子・F・不二雄先生が手がけた全17作品の大長編シリーズにフォーカスしたエリアでは、10種の壁面演出と30点の原画展示を通して、壮大な冒険の記憶をたどることができます。

もちろん、ドラえもんといえば欠かせないのが「ひみつ道具」です。「ドラえもんの100％ひみつ道具ルーム」には、タケコプターや空気砲、タイムふろしきなど、誰もが一度は憧れた道具が勢ぞろい。四次元ポケットから飛び出したような展示は、大人にも子どもにもたまらない空間です。

なかでも印象的なのが、藤子・F・不二雄先生が創作活動を行っていた仕事場を再現した「先生の机」の展示です。机の上に並ぶ資料や道具、作品づくりの背景を通して、長年愛され続けるキャラクターがどのように生まれたのかを感じることができます。

屋外エリア（シンボルプロムナード公園）には、高さ12mの巨大ドラえもんバルーンが登場。その周囲には等身大のドラえもんや仲間たちが並び、映画の衣装をまとった姿や、まんが・アニメに登場するユニークな姿など、さまざまなドラえもんに出会えます。

また、つどい橋では、ドラえもんや藤子・F・不二雄作品のキャラクターたちがフォーマルな装いで並ぶ「100％ブルーカーペット」を展開。さらに、TOKYO DREAM PARK内のサイドテラスには、さまざまな表情やポーズの等身大ドラえもんを楽しめる無料エリアも用意されています。

ドラえもんが誕生して半世紀以上。100体を超えるドラえもんに囲まれながら、世代や国境を越えて愛され続ける魅力を、あらためて体感してみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年3月27日（金）～9月30日（水）
会場：東京都江東区有明3-3-8（TOKYO DREAM PARK EX STUDIO7 ほか）
時間：10:00～18:00※最終入場17:00
※6 ⽉ 6 ⽇〜7 ⽉ 12 ⽇の⼟曜⽇・⽇曜⽇ 9:00〜18:00（最終⼊場 17:30）
（6/13, 6/14, 6/20, 6/21, 6/27, 6/28,7/4,7/5,7/11,7/12）
※7 ⽉ 18 ⽇（⼟）〜8 ⽉ 31 ⽇（⽇）9:00〜19:00（最終⼊場 18:30）
※8 ⽉以降の開館時間につきましても、⼀部⽇程で変更となる可能性がございます。
料金：
【通常券】
大人 平日2,400円／土日祝・特定日2,600円
中学・高校生 平日1,800円／土日祝・特定日2,000円
子ども（4歳以上）平日1,600円／土日祝・特定日1,800円
【当日券】
大人 平日2,500円／土日祝・特定日2,700円
中学・高校生 平日1,900円／土日祝・特定日2,100円
子ども（4歳以上）平日1,700円／土日祝・特定日1,900円

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。
※商品は数に限りがあります。

史上最大級！ひみつ道具や名シーンが目の前に。100体超のドラえもんに出会う

ぐるぐる展ー進化しつづける人類の物語

2026年3月28日（土）から9月23日（水・祝）まで、高輪ゲートウェイシティ内の複合型ミュージアム「MoN Takanawa: The Museum of Narratives（以下、MoN Takanawa）」にて、開館記念特別展「ぐるぐる展―進化しつづける人類の物語」を開催中です。

本展のキーワードは「ぐるぐる」。人と人、過去と未来、異なる分野が混ざり合いながら新しい文化が生まれていく動きを象徴するのが、螺旋を描くスパイラルのかたちです。このモチーフは、MoN Takanawaの建築やロゴにも取り入れられており、施設の思想そのものでもあります。

展覧会では、人類の進化を支えてきた「めぐり」「くりかえし」「螺旋」という普遍的な形に着目。自然の循環、都市の更新、人の身体や思考の巡りなど、世界にあふれる多様な「ぐるぐる」を手がかりに、人類の歴史や文化を読み解いていきます。アート、社会、テクノロジー、伝統文化など幅広い分野を横断しながら巡る、知的エンターテインメントです。

会場は6つのゾーンに分かれており、約100点の展示物と50種類以上の「ぐるぐる」が集結。20名を超えるアーティストやクリエイターによる作品に加え、歴史資料や社会を読み解く展示も並びます。

最初の「World：ようこそ、ぐるぐるの世界へ」では、宇宙や自然界に存在する無数の螺旋や回転運動を紹介。人類が古代から自然界のぐるぐるに可能性を見出し、科学技術を発展させてきた歴史をたどります。

続く「Art：ぐるぐるは美しい」では、回転や反復、螺旋の美しさに魅せられたアーティストたちの作品が並びます。世界各地の横断歩道を題材にした後藤映則の新作や、磁性流体を用いた児玉幸子の作品、岩井俊雄による「時間層 IV」、東弘一郎の金属作品など、多彩な表現を通してぐるぐるの美学に触れることができます。

「City：ぐるぐる動くまちと暮らし」では、山手線の模型やモンゴル遊牧民の暮らし、18世紀から現代までの船舶航路を可視化した映像作品などを展示。車輪や建築物といった目に見える循環だけでなく、人やモノ、情報が行き交う社会の動きにも「ぐるぐる」が存在していることに気づかされます。

さらに「Culture：ぐるぐると文化をつなぐ」では、文化の継承という視点から「ぐるぐる」を読み解きます。約450年の歴史を持つ樂家の茶碗や、日本相撲協会協力による相撲の展示、そして2025年大阪・関西万博の象徴である大屋根リングの模型など、日本の文化や伝統がどのように受け継がれてきたのかを紹介します。

後半の「Human：ぐるぐるがわたしをつくる」では、指紋やつむじ、習慣など、私たち自身の中にある「ぐるぐる」に注目。巨大な「UZU」（キャラクターデザイン：nanao）のオブジェが来場者を迎えます。

そして最後の「Think：ぐるぐる考える」では、思考や感情の巡りに焦点を当てます。香りに包まれながら思考を巡らせるインスタレーション「ぐるぐるインスピレーション」や、「考える人」をモチーフにした展示などを通じて、自分自身と向き合う時間が用意されています。展示の締めくくりには、「ぐるぐるおみくじ」も登場。これからの自分を少し前に進めるヒントが見つかるかもしれません。

宇宙から都市へ。文化から身体へ。そして思考から未来へ。一見すると無関係に見えるものたちが、「ぐるぐる」というひとつの視点でつながっていく本展。展示を見終えたあとには、いつもの街並みや暮らしの中にも、新たな発見が生まれているはずです。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年3月28日（土）～9月23日（水・祝）
会場：MoN Takanawa: The Museum of Narratives Box1500（JR高輪ゲートウェイ駅直結）
時間：10:00～19:00(金・土曜日は 10:00～21:00)
休館日：7月14日（火）、８月18日（火）、9月８日（火）
入場料：一般 2,500 円、U25 1,500 円、小中高生 800 円、未就学児 無料

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。


宇宙も都市も、私たちも。世界は「ぐるぐる」でできている

サンリオ展 FINAL ver. ニッポンのカワイイ文化60年史

2026年4月9日（木）から6月21日（日）まで、「サンリオ展 FINAL ver. ニッポンのカワイイ文化60年史」が開催されています。2021年から日本各地19都市を巡回し、85万人以上を動員してきた「サンリオ展」のフィナーレです。

本展では、サンリオ展史上最大規模となる約1,500点のグッズを展示。さらに、ハローキティやシナモロール、クロミをはじめ、総勢200キャラクター以上が登場します。会場には、サンリオの歩みをたどる貴重なデザイン原画や歴代グッズ、懐かしいアイテムが並び、カワイイという文化がどのように生まれ、育ち、広がっていったのかを多角的に紹介します。

展示は7つのチャプターで構成。「カワイイのはじまり」では、1974年にハローキティが誕生する以前、どのように新しいカワイイを提案してきたのか、雑貨文化やデザインに注目しながら、サンリオ創世記の挑戦を振り返ります。

「オリジナルキャラクターの誕生」では、数々の人気キャラクターがどのような試行錯誤の中から生まれてきたのか、その制作背景に迫ります。また、「ハローキティ人気のヒミツ」では、50年以上にわたり世界中で愛され続ける理由を解説。シンプルだからこそ受け手によって意味が変わるデザインや、口が描かれていないことに象徴される独自性など、ハローキティならではの魅力を掘り下げます。

他にも、1975年に創刊された月刊の機関紙「いちご新聞」の展示も印象的。サンリオはファンと一緒にキャラクターを育ててきました。「いちご新聞」を通して寄せられた読者の声やコミュニケーションの積み重ねが、サンリオ文化を形づくってきたことが見えてきます。

さらに、FINAL ver.では新たに「2026年サンリオキャラクター大賞」とのコラボレーションコーナーも登場。450を超えるサンリオキャラクターの中から、新たな推しと出会える空間として、100問のクイズ企画を展開します。歴代人気キャラクターはもちろん、まだ知らなかったキャラクターの魅力にも触れられる構成です。

会場限定グッズも充実しています。ラッピングペーパー柄をモチーフにしたぬいぐるみやマスコット、フェイス巾着などの先行販売グッズに加え、FINAL ver.限定カラーのオリジナルグッズも多数登場。ピンクを基調にした特別仕様のアイテムが並びます。

60年以上にわたり、カワイイを起点に人と人をつないできたサンリオ。本展は日本ならではの「カワイイ文化」がどのように育まれてきたのかを体感できる展覧会でもあります。懐かしさと新しい発見が交差する空間で、サンリオが届け続けてきたメッセージに触れてみてはいかがでしょうか。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2026年4月9日（木）～6月21日（日）
会場：森アーツセンターギャラリー（六本木ヒルズ森タワー52階）
時間：日～金曜日10:00～18:00、土曜日・祝日10:00～20:00※入館は閉館30分前まで
入場料：一般／大学・専門学生＝平日 2,400円／土日祝 2,800円、小学・中学・高校生＝平日 1,000円／土日祝 1,200円（すべて税込）※全日日時指定制 ※未就学児無料
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。

© 2026 SANRIO CO., LTD.  APPROVAL NO. SP660009

200キャラクター超が集結。世代を超えて愛される「カワイイ」の秘密

脳汁横丁2026 

2026年5月29日（金）から31日（日）まで、ベルサール秋葉原にて体験型フードフェス「脳汁横丁2026」が開催されます。 

動員数1万人を記録した話題のイベントが、さらにパワーアップ。第6弾となる今回のテーマは「奉脳祭（ほうのうさい）」です。LEDのれんをくぐると広がるのは、光と音がシンクロする祝祭空間。フォトジェニックな演出やフィーバータイムが日常をリセットし、五感ごと没入できる体験へと誘います。 

会場の象徴となるのが、約150個の提灯に映像を投影する「提灯マッピングステージ」です。DJ KOO（TRF)、テクノ法要など、人気アーティストやDJが登場し、幻想的な光と音楽が交錯するなか、DJやアーティストによるライブパフォーマンスが会場全体を熱狂へと巻き込み、イベントのために書き下ろされたオリジナル楽曲「脳汁音頭」にあわせて踊る一体感は、まさにここでしか味わえない体験です。 

フードエリア「脳汁屋台」では、トミー（水溜りボンド）、ﾘﾛ氏など多数の個性豊かなクリエイターとコラボした9つの屋台が出店。写真映えだけじゃない、「予想を裏切る」「クセになる」「思わず撮りたくなる」体験型フード＆ドリンクが揃い、2026年はさらに体験要素が強化されて「食べる」を超えた感性を刺激するコンテンツへと進化します。給油機を模した「脳汁スタンド」も復活し、LEDで光るホースからカラフルなドリンクが注がれるインパクト抜群の演出も健在です。 

主催は、"ヲタク"と"大人"を掛け合わせた「ヲトナ」をキーワードに、自分の好きを大切にして生きる人たちを応援するマルハン東日本の「ヲトナ基地プロジェクト」です。企画監修を務めるのは「泡パ」「脳汁銭湯」など数々の体験型イベントを手がけてきたアフロマンス氏。映像チーム「最後の手段」、サイバーアーティストのサイバーおかん、水溜りボンド・トミー氏、平成レトロ研究家の山下メロ氏ら個性派クリエイターたちが結集しました。 

そもそも"脳汁"とは、驚きや高揚感・達成感を感じたときに分泌されるドーパミンやアドレナリンをユーモラスに表現したインターネットスラング。「脳汁横丁」は、この言葉を軸に「面白い」「楽しい」「好き！」という感情を全力で肯定する空間として生まれました。秋葉原のど真ん中で、日頃抑え込んでしまいがちな熱狂を解放してみてはいかがでしょうか。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期：2026年5月29日（金）～5月31日（日） 
会場：ベルサール秋葉原 
住所：東京都千代田区外神田3丁目12-8 住友不動産秋葉原ビル1F 
時間：11:00～20:00 
入場料： 無料(フード、ドリンク、オリジナルグッズは購入が必要) 
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。 

約1万人動員を記録した「脳がよろこぶ」体験型フードフェスが、東京・秋葉原で再び開催 

TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜 

2026年4月18日（土）から5月17日（日）まで、TOKYO NODE GALLERYにて、「TOKYOROOMS展 〜40の部屋、40通りの生き方〜」が開催中です。 

6畳ワンルームという共通の条件のもと、40名のクリエイターたちがそれぞれの価値観や生き方を部屋で表現する、ユニークな体験型展覧会です。アーティスト、デザイナー、建築家、華道家、エンターテイナー、インテリアブランドなど、異なるジャンルで活動する参加者たちが、自分らしい空間を創出。同じ広さ、同じ条件の部屋であっても、世界観はまったく異なります。 

参加クリエイターは、SAINT LAURENT初の日本人ファッションデザイナーの相場慎吾氏、華道家の假屋崎省吾氏、アーティストとしても活動するくっきー！氏など、分野を横断して活躍する多彩な顔ぶれです。 

また、住まいの写真投稿が集まるSNS「RoomClip」、都市型FMラジオ局「J-WAVE」、街づくりを手がける総合デベロッパー「東京建物」、国内有数の家具メーカー「カリモク家具」なども参加。多様な領域から独自の視点を持つ企業が部屋の表現に加わります。 

総合プロデューサーを務める町野健氏は、「衣食住のうち『住の領域』には、まだ大きな成長余地がある」と語ります。人と異なること自体が価値となる時代だからこそ、画一的ではない、多面的な部屋のあり方を提示したいという思いのもと本展は企画されました。 

異業種が交わることで、インテリアの可能性をさらに押し広げる展示。インテリアを「家具や雑貨の組み合わせ」としてではなく、「自分自身を表現する手段」として捉え直すきっかけを与えてくれます。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期：2026年4月18日（土）〜5月17日（日） 
会場：TOKYO NODE GALLERY A/B/C（虎ノ門ヒルズ ステーションタワー） 
時間：10:00～20:00（最終入場 19:30） 
入場料（税込）：一般 1,900円／小人（3歳〜小学生）950円 
※2歳以下無料 
※5月5日（こどもの日）は小人無料 
※障がい者手帳をお持ちの方とその介助者1名まで無料
※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。  

「6畳の部屋」という表現が映し出す、それぞれの価値観 

平成恋愛展 

2026年4月7日（火）から6月28日（日）まで、六本木ミュージアムにて「平成恋愛展」が開催中です。平成約30年の恋愛を初期・中期・後期に分け、約3,000点のアイテムと体験を通してたどる参加型の展覧会です。 

会場に足を踏み入れると、まず目に飛び込んでくるのは、平成の恋愛を支えてきたコミュニケーションツールたち。ポケベル、ガラケー、デジタルカメラ、プリ帳など、当時を象徴するアイテムがずらりと並びます。 

しかも本展では、実際にアイテムを手に取れるのが大きな魅力（一部展示を除く）。ガラケーをパカッと開いて自撮りをしたり、シールやラメでデコられたプリ帳をめくったりするたび、平成の空気感をリアルに感じられます。

さらに、印象的なのが、「恋愛のあるある」を体験できるブースの数々です。いま話題の「モキュメンタリー」の手法で表現されており、当時の恋愛を形づくっていた胸キュンシーンを追体験できます。授業中の回し手紙、限られた文字数で想いを打ち込むポケベル、家族に聞かれないように少し緊張しながら固定電話から電話をかける時間など、懐かしい瞬間がよみがえります。 

展示を楽しんだあとは、「あの頃の放課後」をテーマにしたショップとカフェにも立ち寄りたいところ。ショップには平成当時を思い出すキャラクター雑貨やステーショナリー、さらにはフリューのプリ機まで並び、タイムスリップしたかのような空間です。併設された「みんなの！平成恋愛CAFE」では、クレープやタピオカといった平成らしい定番メニューを用意しています。 

実際に青春時代を過ごした世代には懐かしく、平成を知らない世代には新鮮に映る本展。コミュニケーションにひと手間が必要だった時代ならではのトキメキに、浸ってみてはいかがでしょうか。 

edit & write: yoko sueyoshi 

会期： 2026年4月7日（火）～2026年6月28日（日）※会期中無休 
会場：六本木ミュージアム（〒106-0032東京都港区六本木5-6-20）  
時間：月曜～木曜 10:00-18:00（17:30最終入場）、金曜～日曜・GW期間（4月25日～5月10日）10:00-20:00（19:30最終入場） 
入場料：一般・大学生 \2,200、中高校生 \1,800、小学生 \1,300 ※未就学児無料（保護者同伴に限る） 

※展示内容・開場時間などは変更される可能性があります。最新情報は公式サイトをご確認ください。 

ポケベルに回し手紙。あの頃の胸キュンがよみがえる参加型展示 

近年、音声認識やAIなど便利なテクノロジーが次々と生まれています。こうした技術によって「できること」が増える今、イベント制作の現場でも「本当の意味で誰もが楽しめる体験とは何か」が改めて問われています。

イベント制作の裏側に潜む「無意識の偏り」を、テクノロジーと私たちの意識のあり方から考え直すため、お話を伺うのは、障害を「世界を捉え直す視点」として数々のプロジェクトを企画してきた田中みゆき氏と、世界的パラスポーツの祭典の閉会式の全体統括を経て、イベントにおけるDEIの重要性を発信する星山賢氏。

「形ばかりのバリアフリー」で終わらせないために。参加者の主体性を尊重し、心に届く「体験設計」をどう描くべきか。明日からの現場で活かせる対話のヒントを探ります。


プロフィール

田中みゆき
キュレーター／プロデューサー。「障害は世界を捉え直す視点」をテーマに、カテゴリーにとらわれないプロジェクトを通して表現の捉え方を多様な鑑賞者とともに再考する。最近の仕事に『音で観るダンスのワークインプログレス』『オーディオゲームセンター』『ルール？展』展覧会『語りの複数性』など。2022年7月から12月までACCのフェローシップを経てニューヨーク大学障害学センター客員研究員としてニューヨークに滞在後、帰国。2025大阪・関西万博 日本館基本構想クリエイター。

星山賢
施工会社や制作プロダクションを経て2008年電通ライブ（旧電通テック）に入社。様々な企業のイベントプロモーションから官公庁などの案件も担当。2021年に開催された世界的パラスポーツの祭典ではクロージングセレモニーの全体統括として関わり、そこでイベントにおけるDEIの大切さを肌で感じ、「みんなのイベント・ガイドライン」や「サステナビリティに配慮したガイドラインDEI編」の制作メンバーに参画。


テクノロジーの実装を急ぐ前に、まず立ち返りたい「健常者中心主義」の危うさ

――テクノロジーが加速度的に進化する中で、人間の能力拡張やアクセシビリティの向上への期待が高まっています。実際にテクノロジーを取り入れることで、社会におけるアクセシビリティはどう変わっていくとお考えでしょうか。

田中：前提として、「エイブリズム（Ableism：健常中心主義）」についての理解が必要だと思います。エイブリズムとは、健常者の心身の状態や価値観を「標準」とし、それに当てはまらない人を「劣っている」あるいは「直すべき対象」と見なす考え方のことです。

テクノロジーとエイブリズムは、実は密接に切り離せない関係にあります。例えば、視覚障害のある人がデバイスを使って一人で道を歩けるようになる、あるいは聴覚障害のある人が音声認識で会話をテキスト化して理解できるようになる。これらは一見素晴らしい進化ですが、その根底にあるモデルは「障害者を、いかに健常者の状態に近づけるか」という、いわばメインストリームへの「同化」なんです。

もちろん、それによって仕事の機会を得たり、外出の選択肢が増えたりするのは非常に良いことです。しかし、それが「彼らが自分自身の体のまま、ありのままの状態で豊かに生きられる社会」に向かっているかというと、実は逆行している側面があるのではないか。テクノロジーによって「健常者に負担をかけなくて済む（健常者にとって都合のいい）人」を増やしているだけではないか、という問いを忘れてはいけないと思います。


星山：普通に生活していると、同化にはなかなか気づけません。「便利になって良かった」で片付けてしまいがちです。

田中：例えば、パラスポーツの大会で「義足というテクノロジーによって、驚異的な記録で走る」ことは感動の物語として称賛されます。でも、もしその選手がオリンピックに出ようとすれば、拒絶反応を示す人が現れます。

これは、「障害者が『障害者』という枠の中で感動を与えてくれる分には歓迎するけれど、健常者の領域に入ってくるのは線を引いて拒絶する」という心理が顕在化されています。自分たちとは違う存在として切り離しながら、エンターテインメントとして消費する。この歪んだ構造は、形を変えながら今も日本社会で平然と続いています。

星山：私もパラスポーツの大会で選手の頑張りをみて、純粋に感動を覚えてしまう人間の一人ですが、実際に健常者を超える記録を出している人がいる以上、「障害者のためのスポーツ大会」という枠に閉じ込め、別物として切り離すことの是非を、社会全体で議論していかなければいけないのかもしれませんね。


見栄えの良さではなく、当事者の主体性を支えるテクノロジーを

――テクノロジーの実装と聞くと、すぐに期待してしまいますが、健常中心主義に偏っていないか疑わないと、根本的な課題の解決にはならないということですね。

田中：テクノロジーを考えるときにすごく危険なのは、「感動を生む」ようなことにはお金が注ぎ込まれがちだということです。見応えがあるし、見栄えもするし、多くの人が喜ぶ。開発側も投資する側もそういう方向に流れやすいのですが、本当に必要なのは、もっと地味で、障害のある人がその人らしく日常を生きていくためのテクノロジーです。

星山：目新しいテクノロジーの実装を急ぐだけでなく、障害のある人を「支援の対象」としてではなく、自立した意思を持つ「主体」として捉え直す視点が必要ではないでしょうか。


田中：まさに「主体性を奪わないこと」がアクセシビリティの核心です。日本の場合、障害のある人に対する人権意識が非常に低いと感じます。「良かれと思って」当事者の代わりに何かを決めたりしてしまう人がまだまだ多い。それによって当事者の方も「自分には能力が足りない」と思い込まされています。障害のある人の自立生活がなかなか進まない背景のひとつにはそういった価値観があります。

アメリカのろう学校で教える友人の話ですが、まず「耳が聞こえないことで、あなたの権利が損なわれることは絶対にない」ということを徹底的に教え込むそうです。対して日本では、「人に迷惑をかけてはいけない。迷惑をかける人は周囲の思いやりに常に感謝を示さなければならない」という意識が埋め込まれているように感じられてなりません。「健常者＝100%の人権がある人、障害者＝それ以下の人」という、極めて残酷な能力主義です。

しかし、私たちは皆、常に変化し、老いていく揺らぎの中にいます。「自分は一生100%完璧な健常者である」と断言できる人はいないはずです。その意味でも、どのような状態になっても主体性が守られる仕組みを作ることは、障害者支援という枠を超え、この社会で生きるすべての人に安心を保証することに他なりません。


AIが人間の主観やバイアスを排除し、属性を超えた共感を設計する可能性

――では、未来のイベントをよりインクルーシブなものにしていくために、制作者が明日からできることは何でしょうか。デジタルの世界ではアクセシブルな設定が充実してきていますが、リアルのイベントという特定の場所と時間における体験をどう変えていけばいいでしょうか。

田中：インクルーシブには色々な形があります。多くの人は、バリアフリーの基準を達成することに一生懸命になりがちですが、その前に「どういう場を作りたいか」「その場を開くことが来場者に何をもたらすのか」という本質を話し合うべきです。 障害者が一人参加すれば達成、という話ではありません。さらに「なぜバリアフリーにすることが自分たちにとって必要なのか」という対話を深めることが必要です。

星山：「誰かに合わせる」という前提を捨てて、関わる人のマインドが変われば、自ずとテクノロジーの使い方も変わっていくはずだと、改めて痛感しました。

田中：テクノロジーの可能性という意味では、私はAIに大きな期待を寄せています。なぜなら、AIには「人間の忖度」がないからです。 アクセシビリティを阻む最大の要因は、実は「縦割りで役割が分断された組織やマジョリティを前提につくられた商慣習」です。例えば、アメリカの薬局では薬が鍵付きの棚に入っていて、視覚障害者は店員に説明を読んでもらわないと買えません。でも、読み上げてもらうよう頼むと、店員から「自分は薬剤師ではないから、薬事法に関わることはできない」と断られることがあります。ここで基本的な情報へのアクセスが遮断されるんです。

これは特殊な例ではなく、イベントに関しても言えることです。例えば、日本で開催される大規模なイベントでは、企画と運営、チケット販売、現場の管理などがそれぞれ別の会社によって担われていることがありますよね。本来、アクセシビリティは全体を横断して実装されるべきものですが、役割の細分化によって窓口や現場で聞いてもアクセシビリティの情報が得られないケースがあります。

しかし、AIなら忖度なく淡々と情報を提供してくれます。AIによって、これまで「自分の責任はここまで」「普通は当たり前にできるから問題ない」という意識によって閉じられていた扉が、一気に開かれました。これは大きな希望です。ただ、AIの活用は消費者側のリテラシーに依存しており、デジタル格差によってアクセスできない人も出てくるでしょう。さらにAI自体にバイアスが潜んでいるリスクにも留意しなければいけません。それでも「マジョリティによって構築された社会の構造」を打破する可能性を持っています。


星山：イベントという身体性を伴う現場だと、視座が「アクセスの確保（入れるかどうか）」という入り口の部分で止まってしまっている気がします。その先の「体験の本質をどう共有するか」というフェーズまで上げていかなければいけません。

田中：教育格差や経験値のギャップをどう埋めるかという課題は大きいですが、まずは制作者が「あなたに来てほしい」というメッセージを、その中身（コンテンツ）が対象とする人々にとって魅力的なものになっているかから考え、適切な方法で伝え続けること。そして、アクセシビリティを権利として当たり前に実装していく。それがイベント制作、ひいては社会のOSを書き換える第一歩になるのだと思います。

write＆edit : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

