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べニューニュース

「どうぶつ展　わたしたちはだれ？どこへむかうの？〜WHO ARE WE? WHERE ARE WE GOING?」

2025年4月16日（水）から7月6日（日）まで、東京・立川のPLAY! MUSEUMにて、「どうぶつ展　わたしたちはだれ？どこへむかうの？〜WHO ARE WE? WHERE ARE WE GOING?」を開催中です。

本展は、国立科学博物館との初のコラボレーションとして実現し、科学とアートの2つの視点から、人間と動物との関係を深く見つめ直す体験型の展覧会です。

会場構成は大きく3つのセクションに分かれています。1つ目のセクションでは、国立科学博物館が2021年に制作した巡回展「WHO ARE WE 観察と発見の生物学」を展示します。

同館が所蔵する動物標本などを通じて、哺乳類を中心とした動物の体のしくみや多様性を11のテーマで紹介。展示台にある引き出しから観察のヒントが現れる「発見の体験」展示を通して、来館者に自分なりの気づきや発見を促します。

また、展示の中核には、世界屈指の動物標本コレクションとして知られる「ヨシモトコレクション」も登場。他の動物との意外な共通点、私たちの日常とのつながりなど、標本にまつわる学びや問いを発見することができる展示となっています。

2つ目のセクションは「WHO ARE WE 観察と発見の生物学」のコンセプトをもとに５つの新しい展示コンテンツを展開します。たとえば、「笑顔の森」では、写真家の横浪修が人物の笑顔を、松原卓二が動物の豊かな表情をポートレートに収め、25点を展示しています。

また、アーティストの鈴木康広による「模様の惑星」では、球体に動物などの模様を投影し、動物や人間と模様の関係性を探ります。

siro Inc.の松山真也の「しっぽはすごい」は、最新のテクノロジーを使用して制作した装置で、来場者が実際に座ると動物のしっぽが描かれた感熱紙が出てきます。さまざまな動物のしっぽと、その特徴やしっぽに関連した慣用句などが印刷された全39種類の”しっぽ“を楽しむことができます。

そして展覧会のクライマックスとなるセクション「ユートピア」では、土屋仁応、ミロコマチコ、名和晃平ら9名の現代アーティストによる立体作品や絵画約30点を展示。原寸大でつくられた作品や想像上の生きものや擬人化された動物たちが空間を彩り、人間だけに与えられた“創造”の力がいかに豊かであるかを体感させてくれます。

また、動物の魅力を生かしたオリジナルグッズ、展覧会参加アーティストのグッズなど、充実したショップ展開も魅力です。

科学とアートの視点から、動物という存在の奥深さや、人間とのつながりを再発見する本展。標本やアート作品を通して動物の不思議に触れることで、鑑賞者は知的好奇心を刺激され、自分たちの暮らしや社会を見つめ直す新たな視点を得ることができるはずです。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2025年4月16日（水）～7月6日（日） ※会期中無休
会場：PLAY! MUSEUM（東京都立川市緑町3-1 GREEN SPRINGS W3棟 2F）
開館時間：10:00～17:00（土日祝は18:00まで／最終入場は閉館30分前）
入場料（税込）：
一般 1,800円、大学生 1,200円、高校生 1,000円、中・小学生 600円
［立川割］一般 1,200円、大学生 700円、高校生 600円、中・小学生 400円
※未就学児無料


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベント HP をご確認ください。


観察からはじまる知の探索。動物と人間の関係を科学とアートから導き出す

2025年1月、東京・銀座の数寄屋橋交差点に新たに誕生した「Ginza Sony Park」。従来の公園のイメージを一新するユニークなコンセプトとデザインは、街全体に新しいリズムをもたらす革新的な試みとして注目されています。建て主は永野大輔氏が社長を務めるソニー企業株式会社。ソニーらしさと固定概念に捉われない「余白」の設計思想を軸に設計。今回のインタビューでは、その設計思想や未来への展望について深く語っていただきました。

「ユニーク」こそソニーらしさ。Ginza Sony Parkに息づくDNA

――Ginza Sony Parkとはどのような施設なのでしょうか？

永野大輔氏     （以下、永野）：Ginza Sony Parkは、ソニーが自社主導で手がけた革新的な「都会の中の公園」です。かつてこの場所には、ソニー製品のショールームやイベントスペース、レストランなどが入る複合商業施設「ソニービル」が建っていました。その跡地を大胆に再構築し、プロジェクトスタートから約12年の歳月をかけて、2025年1月26日にグランドオープンを迎えました。

一般的な公園のイメージとは異なるスペースではありますが、限られた空間を最大限に活用しながら、訪れる人々が思い思いに過ごせる場として設計しています。


――設計は、永野社長が中心となった「Ginza Sony Park Project」というチームが担当されたそうですね。なぜソニー自らがこのプロジェクトを主導されたのですか？

永野：ソニー創業時からの「自由闊達」の精神や、独自のクリエイティビティをそのまま反映させるためです。

私はソニーで営業や経営戦略に携わってきた人間なので、建築に縁もゆかりもありませんでした。しかし、外部の建築家に完全に委託してしまうと彼らの作品になってしまい、Ginza Sony Parkが「Designed by Sony」であるというメッセージが希薄になってしまいます。

ソニーらしい発想と革新性を、設計・施工・運営のすべてにおいて徹底的に追求し、他にはない体験と価値を提供するために、あくまでもソニーが自社主導でGinza Sony Park Projectを推進することを重視しました。


――ソニーらしさはどのようなもので、Ginza Sony Parkではどのように反映されていますか？

永野：ソニーらしさとは、既存の常識を打ち破り、まったく新しい価値を創造するところにあります。ウォークマンが音楽の聴き方を、PlayStationがゲームの概念を、AIBOがロボットの在り方を再定義してきたことが象徴的です。

Ginza Sony Parkでもソニーらしさを追求し、従来の固定観念に縛られない、ユニークな切り口の空間を生み出しています。

――既存の常識を打ち破る、そのソニーらしい発想が公園という形にまで広がっているわけですね。とはいえ、Ginza Sony Parkのような公共性の高い取り組みを、営利企業として行うのはかなり大胆にも思えますが、背景にはどのような考えがあるのでしょうか？

永野：私たちは、単なる収益重視 に留まらず、街全体への貢献という使命感を胸に事業に取り組んでいます。一方で、収益を度外視しているわけではありません。Ginza Sony Parkは、イベント開催や企画運営、広告スペースの提供、短期間のポップアップ出店など、多角的な収益モデルを確立しています。

それを実現できたのは、2018年から2021年までの3年間の試行運用期間です。建て替え途中も公園として運用し、検証を重ねた成果があったからこそ、現在の革新的な空間が実現しました。


公園の概念を新たに定義する「余白」の設計思想

――「都会の中の公園」としての設計の特徴について教えてください。

永野：Ginza Sony Parkは、隣接する3つの道路、地下鉄コンコース、駐車場など、都市インフラと直接連結する立地を活かした設計になっています。これを私たちは「ジャンクション建築」と呼んで、地下からも地上からも利用者がスムーズに出入りできるよう工夫しました。これにより、建物内部と外部との境界が曖昧になり、利用者はまるで都市全体の一部としてこの空間を体験することができます。


――設計思想においては「余白」を重視されていると伺いました。余白とはどのような意味を持つのでしょうか？

永野：余白は、利用者が自由にその空間を解釈し、さまざまな行動を起こすための柔軟な「キャンバス」のようなものです。公園というのは、固定された用途が存在せず、散歩、ジョギング、休憩、あるいはイベントや展示など、利用者ごとに自由な使い方が成立する空間です。

余白があってこそ利用者が自分の思い描く使い方を展開でき、次にその場を利用する人の意志や創造性をも受け入れる柔軟性が生まれます。


――余白が公園全体の体験や利用者の自由な発想を引き出す

永野：例えば、日本画や書道では、余白がなければ作品全体のバランスや美しさが失われることからも、余白の存在は極めて重要とされています。それと同様で公園においては、余白とアクティビティ（イベントやマーケットなど）のバランスが極めて大切で、余白がなければテーマパークのような固定的な空間になってしまいます。

Ginza Sony Parkでは、こうした考え方を踏まえ、利用者が自由に過ごせる空間を設計することで、固定概念に囚われない多様な体験が可能になるよう工夫しています。

具体的には、建て替え中の2018年から3年間の試行運用から得た経験値と利用データに基づき、空間利用パターンを綿密に分析した結果、全体の約6割をイベントや展示などのアクティビティに、残りの4割を利用者が自由に発想できる余白として保持するのが最適であると判断しました。

――建て替えプロセスの中で、最も大きなチャレンジは何でしたか？

永野：最大の挑戦は、すぐに建て替えずにソニービルの解体途中に、50年前に建てられたソニービルの躯体を保持しながら大規模な減築を行い、全体をフラットなオープンスペースへと再構築した点にありました。歴史的価値を守りつつ、旧来の立体型の構造を大幅に見直し、壁や仕切りを取り払う大胆なアプローチを採用しました。

これにより、利用者が自由にアクセスでき、かつ都市の中で新しい空間体験を創出するという、ソニーならではの挑戦を実現することができました。


銀座に新たな鼓動を刻み、未来への一歩となる

――グランドオープン後の運営状況はいかがですか？来場者数や具体的な利用例を教えてください。

永野：毎日平均1万人以上が訪れています。ソニービル閉館直前の頃の平均来場者数が約9千人であったのに比べ、今回の街に開かれた空間は、その自由な設計と余白の効果が集客力の向上に直結していると考えています。

――銀座という街について、どのようにお考えで、Ginza Sony Parkはそこでどのような存在になってほしいとお考えですか？

永野：銀座は、伝統と革新が融合し、高級感と庶民性が共存する街です。大手開発業者がトップダウンで形作る街とは異なり、地域の個性豊かな店舗や個人商店がボトムアップで築いた文化があります。高級ブティックもあれば、裏路地にひっそり佇むバーもある。この多様性こそが、「銀座の街を歩いているとワクワクする、楽しい」と感じる真髄ではないでしょうか。

Ginza Sony Parkは、そんな銀座に新たなリズムを生み出し、街全体の魅力をさらに引き立てるアクセントとなることを目指しています。高級な印象の中にあっても、カジュアルで自由な空間があることが、訪れる人々にとって大きな魅力になるはずです。


――10年後、20年後を見据えたGinza Sony Parkの未来像についてお聞かせください。

永野：将来的には、Ginza Sony Parkが来訪者一人ひとりにとって「自分の居場所」のひとつとして愛され、まるで自分の「銀座の庭」として地域に根ざすオアシスになってほしいと考えています。

また、このプロジェクトをモデルケースとして、再建築中の民間施設が工事期間中に一時的に公共空間として活用される仕組みが広がり、都市全体により多くの自由な空間が創出される未来を創れたら本望です。行政との連携や各種インセンティブの導入によって、持続可能な都市開発の新たな潮流を提案できればと願っています。

――最後にGinza Sony Parkを利用するクリエーターや出演者、またポップアップ出店者へのメッセージをお願いします。

永野：この空間には広大な余白があります。皆さんが自由にアイデアを試し、表現するためのプラットフォームを存分に活用していただきたいです。

また、ソニーが追求してきた「ユニークな発想」と設計思想は、クリエーターの皆さんの創造性を刺激し、新たな文化や体験を生み出す原動力となるはずです。どうぞ、存分にこのスペースを活用して、自らの発想や作品でGinza Sony Parkを彩っていただきたいと思います。

edit & write : yoko sueyoshi
photo : hideki ookura


【TOP INTERVIEW】ソニーらしさが息づく「都会の中の公園」。街に新しいリズムを創るGinza Sony Parkの挑戦

ラーメンどんぶり展

2025年3月7日（金）から6月15日（日）まで、東京・六本木の21_21 DESIGN SIGHTにて企画展「ラーメンどんぶり展」を開催中です。この展覧会では、私たちが日常的に目にする「ラーメンどんぶり」をきっかけに、日本の食文化やデザイン、工芸、建築、音といった多様な切り口から、その背景にある技術や思想に光を当てます。

会場では、美濃焼の伝統的な技法で作られたどんぶりをはじめ、40組のアーティストや建築家、デザイナーらが制作した「アーティストラーメンどんぶり」を展示。さらに、一人のコレクターにより全国各地から集められた約250点におよぶラーメンどんぶりコレクションも公開され、地域性や時代ごとのデザインの変遷にも触れることができます。

また、展示の中ではラーメン店の環境音を再現したサウンドインスタレーションや、竹中工務店やTONERICO:INC.らが提案する新しいラーメン屋台の展示など、“食”と“デザイン”が融合した空間が来場者を魅了します。

会場内には、佐藤卓による「ラーメンと丼の解剖」の展示にて、ラーメンとどんぶりの構造や美学を細かく分析する解説も添えられ、ラーメンどんぶりという身近な存在が、デザインや社会、文化とどのように関わっているのかを深く掘り下げます。

本展の企画は、グラフィックデザイナーの佐藤卓氏とライターの橋本麻里氏が、2012年から取り組んでいる美濃焼に関するプロジェクトの一つである「美濃のラーメンどんぶり展」に端を発します。

ラーメンどんぶりという器を切り口に、作り手の技術と哲学、受け手の使い方と感性、そして社会との接点をデザインとして再構築するこの取り組みは、展覧会という形式を通じて新たな価値を提示します。

佐藤氏は、「ラーメンどんぶりは日本のポピュラーデザインの象徴です。見慣れた器の奥に、積み重ねられた工夫と知恵が詰まっている」と語り、橋本氏も「どんぶり一つを通じて、日本文化の構造や思想が立ち上がってくる。それを体感してほしい」とコメント。

会場ショップではナルト模様のタイルや暖簾を模した手ぬぐいなど、ユニークで洗練されたオリジナルグッズも販売しています。

一杯のラーメンを支える器という視点から、日本のデザイン文化の奥深さと魅力を発見するというユニークでユーモラスな機会。食とデザイン、そして文化の未来について考えるきっかけとして、ぜひ会場に足を運んでみてください。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2025年3月7日（金）～6月15日（日）
会場：21_21 DESIGN SIGHT ギャラリー1＆2（東京都港区赤坂9-7-6 東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデン）
開館時間：10:00～19:00（入場は18:30まで）
休館日：火曜日（ただし4月29日、5月6日は開館）
入場料：一般1,600円、大学生800円、高校生500円（すべて税込）、中学生以下無料


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。


器から読み解く、ラーメンとデザインの深い関係

「ゴジラ生誕70周年記念 ゴジラ・THE・アート展」

2025年4月26日（土）から6月29日（日）まで、森アーツセンターギャラリー（六本木ヒルズ森タワー52階）にて、大規模展覧会「ゴジラ生誕70周年記念 ゴジラ・THE・アート展」が開催されます。

キャラクターを超えた「概念」としてのゴジラを再発見できる本展は、「破壊」と「再生」、「恐怖」と「希望」など、ゴジラという存在が内包する多様なテーマを、現代アートの視点で再解釈することに挑戦。アーティストたち それぞれの感性を通して、1954年の映画『ゴジラ』から最新作まで、時代背景と共に進化してきたゴジラ像を新たに導き出しました。

会場には、絵画、立体、映像、ジオラマといった多彩なメディアを用いたアート作品が並びます。日本を代表する現代美術家・横尾忠則氏、写真家・川田喜久治氏をはじめとする多様な分野の表現者が参加。また、2023年から2024年にかけて 渋谷PARCOで開催された「GODZILLA THE ART by PARCO」からアーティスト も再集結し、さらに拡張された表現世界を構築します。

本展のために制作されたオリジナル映像作品や、巨大ジオラマによる臨場感あふれる演出にも注目です。会場では、映像と空間が融合する新感覚の展示体験が味わえます。

また、数量限定のフィギュア付きスペシャルチケットや、ここでしか手に入らない30cmフィギュア「ゴジラ・THE・アート展 開催記念 東宝30cmシリーズ FAVORITE SCULPTORS LINE ゴジラ(2016)熱線放射Ver.」  、アーティストコラボによるTシャツなどのグッズ販売が実施されるほか  、来場者特典として「ゴジラ カードゲーム」も配布予定です。さらに、絵本作家のキューライスによるサイン会（5月14日）など、来場者が直接参加できる企画も充実しています。

「ゴジラ・THE・アート展」は、特撮や映画の枠を越えて、現代アートによって今の時代における「ゴジラとは、何か」を問い直す展覧会です。かつてスクリーンを揺るがした“怪獣王”の姿を、ぜひこの機会に現代美術という視点から体感してください。

会期：2025年4月26日（土）～6月29日（日）
会場：森アーツセンターギャラリー（六本木ヒルズ森タワー52階）
開館時間：10:00～19:00（※4月26日～5月6日、および金・土は20:00まで／最終入館は閉館30分前）
休館日：会期中無休
入館料（税込）：【平日券】一般・大学生・専門学校生 2,200円／中高生 1,500円／4歳～小学生 500円、【土日祝】一般・大学生・専門学校生 2,500円／中高生 1,600円／4歳～小学生 600円、【ゴジかラ割（5/7～30の平日17時以降）】一般・大学生・専門学校生 1,700円／中高生 1,000円／4歳～小学生 無料


現代アートで読み解く“ゴジラ”の姿。国内外のアーティストが描く新たな世界観

NAKED SAKURA AQUARIUM

2025年3月1日（土）から4月20日（日）まで、東京都港区にある「マクセル アクアパーク品川」にて、春のシーズナルイベント「NAKED SAKURA AQUARIUM」が開催されます。

天候や花粉を気にせずに楽しめるインドア花見が人気を博している中、「NAKED SAKURA AQUARIUM」は、海の生きものたちと“お花見”が楽しめる同館の春の風物詩です。
最先端のデジタルアートと水族館ならではの幻想的な演出が融合し、まるで桜が満開の海の世界を楽しむような新感覚のお花見体験を満喫できます。

本年は、クリエイティブカンパニー「NAKED, INC.（ネイキッド）」が手掛ける桜のデジタルアートや和柄文様に加え、一部エリアに桜花のフラワーアートやインテリアツリーを設置。空間全体の立体感が増し、より没入感の高い演出が楽しめます。

ゲストを春の世界に誘う最初の空間「桜便り」では、桜舞う青空を背景にサクラダイが泳ぐ様子を楽しめます。「舞桜の庭」では、日本庭園をテーマにしたプロジェクションマッピングと桜色に染まる水槽展示が見どころ。さらに「ジェリーフィッシュランブル」では、クラゲが桜色の光とともに漂う幻想的な空間を演出します。


夜には、「ドルフィンパフォーマンス ナイトver. 『桜語り（さくらがたり）』」を開催。360度満開の桜に包まれた会場で、イルカたちのダイナミックなジャンプや優雅な水中ダンスが披露されます。和楽器のメロディとデジタルアートの融合が生み出す唯一無二の夜桜鑑賞を満喫できます。

さらに、春限定のフード＆ドリンクメニューも登場。ここでしか味わえないオリジナルのアルコールドリンク「さくら澪」や「さくら香るクリームあんみつ」など、見た目も華やかで春らしいラインナップが揃います。

まるで春の海の世界に迷い込んだかのような「NAKED SAKURA AQUARIUM」で、デジタルアートと海の生きものたちが織りなす新感覚のお花見を体験できます。

edit & write: yoko sueyoshi

開催期間：2025年3月1日（土）～4月20日（日）
会場：マクセル アクアパーク品川（東京都港区高輪4-10-30 品川プリンスホテル内）
開館時間：10:00～20:00（最終入場19:00）※3月8日（土）は19:30閉館
入場料金：一般：2,500円、小・中学生：1,300円、幼児（4歳以上）：800円


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。

都心で楽しむ「海の世界のお花見」。デジタルアートと水生生物が織りなす幻想空間

坂本龍一｜音を視る 時を聴く

2024年12月21日（土）から2025年3月30日（日）まで、東京都江東区の東京都現代美術館にて、音楽家でありアーティストとしても知られる坂本龍一（1952-2023）の日本初となる大規模個展「坂本龍一｜音を視る 時を聴く」を開催中です。

坂本龍一は、50年以上にわたり多彩な表現活動を展開し、常に時代の最先端を切り開いてきました。1990年代以降はマルチメディアを駆使したライブパフォーマンスを行い、2000年代からはさまざまなアーティストとのコラボレーションを通じて、音を展示空間に立体的に配置する試みを重ねてきました。

本展では、坂本龍一が生前に構想していた展覧会を基に、未発表作品を含む10点以上のインスタレーションを通じて、彼の「音」と「時間」への探求を体感。代表作とともに未発表の新作を展示し、坂本の芸術的挑戦の軌跡を体感することができます。

東京都現代美術館の屋内外空間を活用し、坂本が追求した「音を空間に設置する」という芸術的挑戦を体験できる構成の展示が特徴。注目の作品の一つ《IS YOUR TIME》（2017/2024）は、東日本大震災で被災した宮城県農業高等学校のピアノを使用し、世界各地の地震データを基に「自然によって調律されたピアノ」として再生された作品です。

特別なコラボレーションとして、霧の彫刻で知られる中谷芙二子との共同制作による《LIFE–WELL TOKYO》（2024）も見どころの一つ。この作品では、霧と光、音が一体となり、観る者に自然の力と神秘を感じさせる空間が創出されます。

音楽と空間、視覚と聴覚が交差する独自のアート体験を通じて、坂本龍一の創作の核心に迫れる貴重な機会をお見逃しなく。

edit & write: yoko sueyoshi


会期：2024年12月21日（土）～2025年3月30日（日）
会場：東京都現代美術館（東京都江東区三好4-1-1）
開館時間：10:00～18:00（展示室入場は閉館の30分前まで） 
※3月7日、14日、21日、28日、29日は20:00まで

休館日：月曜日（1月13日、2月24日は開館）、2月25日
観覧料：一般 2,400円／大学生・専門学校生・65歳以上 1,700円／中高生 960円／小学生以下無料
※オンラインチケット（日付指定）推奨


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。
※図版クレジット【「坂本龍一｜音を視る 時を聴く」東京都現代美術館、2024年】


音と時間を探求した人生の旅路を知る

動き出す浮世絵展 TOKYO

2024年12月21日（土）から2025年3月31日（月）まで、東京都品川区の寺田倉庫G1ビルにて「動き出す浮世絵展 TOKYO」を開催中です。最新のデジタル技術を駆使して、葛飾北斎、歌川広重、喜多川歌麿、東洲斎写楽など名だたる浮世絵師たちの傑作300点以上の世界を体感できます。

本展では、9つのテーマに分かれた空間で浮世絵の魅力を余すところなく再現。例えば、「藍」ではジャパン・ブルーの世界が広がり、「麗」では美人画や花の世界が繊細に描かれます。「遊」の空間では触れて遊べるインタラクティブな展示が用意され、浮世絵の楽しさを体感できます。

プロジェクションマッピングや3DCGアニメーションを活用した映像インスタレーションにより、まるで浮世絵の中に入り込んだような没入体験を実現。写楽の大首絵が目の前に迫り、その迫力に息を呑むこと間違いなし。さらに、当時の暮らしや楽しみなどの江戸文化をわかりやすく解説する展示内容も見逃せません。

浮世絵を現代の視点で再解釈し、文化の新しい楽しみ方を提案する本展。日本の伝統文化をデジタル技術によって再構築した未来型のアート体験を通じて、浮世絵の新たな一面を発見することができます。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2024年12月21日（土）～2025年3月31日（月）
会場：寺田倉庫G1ビル（東京都品川区東品川2-6-4）
開館時間：9:30～20:00（最終入場 19:30）
休館日：2025年1月27日以降の休館日は無し
入場料金（税込）：
【一般】2,700円
【学生（高校生・大学生・専門学校生）】1,900円
【子供（4歳以上中学生以下）】1,200円
【シニア（65歳以上）】2,500円

＜動き出す浮世絵展 TOKYO  着物で来場  割引キャンペーン＞
割引対象：着物を着用してご来場いただいたお客様（着物・振袖・袴・浴衣など）
割引金額：当日チケット料金より100円引き
実施期間：2025年3月31日（月）まで
利用方法：会場にて当日割引チケット（現金のみ）を購入ください
※割引対象：ご本人様　※他優待・クーポンとの併用不可


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。

感動の没入体験！300点以上の浮世絵がデジタルアートで蘇る

「ONE PIECE ONLY」展

2024年10月9日（水）から2025年1月13日（月・祝）まで、東京都立川市のPLAY! MUSEUMにて「ONE PIECE ONLY」展が開催されます。本展は、世界初の展覧会であり、『ONE PIECE』の制作プロセスや貴重な資料を展示する特別なイベントです。

目玉は、『ONE PIECE』の誕生から現在に至るまでの過程を描いたアート作品や資料の数々。原作者・尾田栄一郎氏の原画や1000話のネーム、印刷過程の資料を一堂に集め、コミックスが読者の手元に届くまでの舞台裏を詳細に紹介します。

また、全長140メートルに及ぶ「ONE PIECEの大絵巻」では、1話から1110話までを圧倒的なスケールで展示し、『ONE PIECE』の世界に没入できる空間を提供します。

さらに、来場者にはジャンプコミックスサイズの展覧会図録をプレゼント。この図録には、ネームや原画のクローズアップ写真、印刷資料など、貴重な情報が192ページにわたり収録されています。

会場限定販売のカラー版図録やオリジナルグッズもファン必見のアイテムです。また、オリジナルグッズには「週刊少年ジャンプ」と同じ用紙で印刷された名場面ポスターや、特別デザインのアパレル、ステーショナリーなど、ファン心をくすぐるアイテムが揃っています。

展覧会では、来場者がイラストを描いて「黄金の部屋」に展示する体験型企画や、展覧会を記念した号外ポスターの配布も行われます。さらに、「宝箱」の海外輸送用クレートの装飾など、ファン参加型のコンテンツも充実しています。このほか、8Kハイスピードカメラで撮影された印刷工程の映像インスタレーションも見どころです。

さらに、PLAY! MUSEUMならではの新しい試みとして、漫画のアートプリントを未来に伝えるプロジェクト「集英社マンガアートヘリテージ」に基づいた作品の展示も行われます。尾田栄一郎氏の原画を活版印刷や和紙を用いた特別な技法で再現したアートプリントが多数並びます。

この展覧会は、漫画『ONE PIECE』の創造的なプロセスをアートとして未来に伝える試みであり、漫画文化の新たな可能性を体現した貴重な機会となっています。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2024年10月9日（水）～2025年1月13日（月・祝）
会場：PLAY! MUSEUM（東京都立川市緑町3-1 GREEN SPRINGS W3棟 2F）
開館時間：10:00～18:00（最終入場 17:30）
休館日：12月31日～1月2日
入場料金（税込）：一般 2,400円、大学生 1,800円、高校生 1,200円、中・小学生 800円、未就学児無料　※完全日時指定制（入場券はセブンチケット限定発売）


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。

1000話・100巻の記念展覧会。誰も見たことがない「ONE PIECE」を体験

ポケモン×工芸展−美とわざの大発見−

2024年11月1日（金）から2025年2月2日（日）まで、東京・麻布台ヒルズ ギャラリーにて、「ポケモン×工芸展−美とわざの大発見−」が開催されます。

2023年に、石川県の国立工芸館で初公開された本展は、ポケモンのキャラクターと工芸が融合した作品を展示し、国内外で大きな話題を集めました。アメリカ、日本各地を巡回したのち、いよいよ東京での展開が実現。
	
麻布台ヒルズ ギャラリーでは、数名の作家による追加作品が加わり、展示数は過去最多の約80点におよびます。従来の巡回展をさらに進化させた、東京限定の展示構成で、訪れる者に驚きと感動を提供します。

本展の目玉は、ポケモンのキャラクターを工芸技術で表現することで生まれる、予想外の「かがく反応」です。参加アーティストは20名。中には、人間国宝や数々の賞を受賞した名工たちも含まれ、ポケモンの形状やしぐさ、皮膚の質感までもがリアルに再現されています。各アーティストが土、木、金属などの素材にこだわり、その技法の粋を尽くして制作した作品は、ポケモンのゲームの記憶や印象が巧みに取り入れられており、観る人をポケモンの世界へ引き込みます。

たとえば、城間栄市氏の《琉球紅型着物「島ツナギ」》は、沖縄の伝統染め技法「紅型」でポケモンの世界観を表現し、独特の色彩と躍動感でポケモンのしぐさを描き出しています。須藤玲子氏の《ピカチュウの森》は、自然の中で生きるピカチュウの姿を、伝統の布染め技術を駆使して幻想的な雰囲気で表現。さらに、金属加工の巨匠・満田晴穂氏による《自在ギャラドス》は、ギャラドスの迫力と重厚感を金属の質感で見事に再現し、その存在感は圧倒的です。

また、日常生活に寄り添う「くらし」としての工芸に触れられることも魅力。着物や香合、器といった日常用品にポケモンを描き込むことで、ポケモンが工芸の中で息づくような作品が展開されています。

桝本佳子氏の《リザードン／信楽壷》では、リザードンが信楽焼の壷に登場。工芸品としての力強さがリザードンのキャラクターと重なり、鑑賞者を魅了します。また、小宮康義氏による《江戸小紋 着尺「ゲンガー・ゴースト」》は、江戸小紋の細やかな柄の中に、ゴーストタイプのポケモンが見事に織り込まれ、粋で洒落た美しさが表現されています。

また、麻布台ヒルズ ギャラリー内のカフェがコラボカフェとして登場し、ポケモンと工芸の世界観を反映したオリジナルメニューが提供されます。さらに、展覧会限定のオリジナルグッズも販売予定で、ポケモンの魅力と工芸の美が詰まったアイテムを手にすることができます。


edit & write: yoko sueyoshi

前期：2024年11月1日（金）〜2024年12月25日（水）
後期：2024年12月26日（木）〜2025年2月2日（日）
休館日：2024年12月31日（火）
開催時間：月〜木・日 10:00〜19:00（最終入館 18:30）／金・土・祝前日 10:00〜20:00（最終入館 19:30）
会場：麻布台ヒルズ ギャラリー
住所：東京都港区虎ノ門5-8-1 麻布台ヒルズ ガーデンプラザA MB階
チケット：（窓口）大人 1.800円、専門・大学生 1,600円、高校生・中学生 1,300円、4歳～小学生 600円


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。

ポケモンと匠が織りなす「美とわざ」から広がる、驚きの世界

ゴミうんち展

2024年9月27日（金）〜2025年2月16日（日）まで、東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデンの「21_21 DESIGN SIGHTギャラリー1＆2」で「ゴミうんち展」が開催されます。

ゴミとうんちは、人間の社会に常に存在するものでありながら、どこか見たくないものとして扱われています。しかし、世界はさまざまなものが循環しており、自然界において、ゴミとうんちも重要なパーツの一つです。

そこで、本展では身の回りから宇宙までを見渡し、さまざまなゴミやうんちにフォーカス。現代のゴミとうんちの概念や、それが生まれた理由を深く考察するため、さまざまな「ゴミうんち」と向き合う機会を提供します。

ゴミとうんちを「pooploop」という世界の循環の一部として捉え直し、これまで避けてきた存在に改めて向き合うことで、単なる社会問題にとどまらず、さまざまな側面視点が見えてきます。

ギャラリー1を「糞驚異の部屋」と称し、身近なものから宇宙までを見渡してさまざまな「ゴミうんち」にまつわるものを展示。ゴミになるもの、リサイクル資源、190種類を超える土、うんちからつくられるプロダクト、発酵にまつわる身近なもの、ミミズの生態やトイレにまつわる資料展示など、約300〜400種の展示作品や資料を展示します。

ギャラリー2を中心に、「ゴミうんち」という新しい概念を元にリサーチした新しい循環や価値の提案、ゴミの定義を考え直すアプローチ、人間と自然の関係性を再考した作品、あまり見えてこなかった大きな循環を可視化した作品などを展示します。

すぐに処分したり、シンプルにしたりせずに、じっくり観察し新しい視点を持つことで、驚くべき発見や好奇心が生まれるはずです。ゴミうんちという新しい概念をもとに、世界の循環に挑むと向き合う実験の場。覗いてみると新しい視界が広がるはずです。

edit & write: yoko sueyoshi

会期：2024年9月27日（金）〜2025年2月16日（日）
休館日：火曜日（2月11日は開館）、年末年始（12月27日～1月3日）
開催時間：10:00～19:00（入場は18:30）
会場：21_21 DESIGN SIGHTギャラリー1＆2 
住所：〒107-0052 東京都港区赤坂9-7-6 東京ミッドタウン ミッドタウン・ガーデン
費用：一般1,400円、大学生800円、高校生500円、中学生以下無料（いずれも消費税込）


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。


ゴミやうんちをきっかけに、世界の循環と向き合う

Perfume Disco-Graphy 25 年の軌跡と奇跡

2024年8月9日から10月14日まで、虎ノ門ヒルズのTOKYO NODEで「Perfume Disco-Graphy（パフューム ディスコグラフィ) 25 年の軌跡と奇跡」が開催されています。

結成25周年を迎えたPerfumeの軌跡をテーマにした体験型エキシビションで、Perfumeのライブパフォーマンスを支えるテクノロジーとメンバーの身体性を「奇跡の同期（シンクロ）」というコンセプトで表現します。

会場には約1,500平米にわたる12の展示が設置され、Perfumeがこれまでに築いてきたパフォーマンスの数々を体験できます。展示のひとつ「We are Perfume」では、3600球の球体とレーザーを使った光のインスタレーションが展開され、Perfumeの代表的なポーズを3Dで表現。

また、「Reframe」では、過去の楽曲と振り付けをリンクさせたオーディオ＆ビジュアルインスタレーションが楽しめ、Perfumeの振り付けの進化とその創造性を鑑賞者は視覚的に捉えることができます。さらに、「FUSION」では、ボリュメトリックビデオ技術を用いて、複数の視点からPerfumeのパフォーマンスを体感することができ、360度から鑑賞できる没入型の体験が用意されています。

会期中には、展覧会の内容に合わせた多様な企画も予定。Perfumeメンバーと一緒に会場を巡っているかのように感じられる「VOICEツアー」や、週末金曜日には展示室がディスコフロアに変身するDJイベント「DISCO！DISCO！DISCO！」が開催されます。また、メンバーが監修したコラボメニューが虎ノ門ヒルズ内のレストランで提供され、Perfumeの世界観を食でも楽しめます。

Perfumeの25年の歴史を振り返る年表展示や、過去のライブ映像を楽しめる没入型のシアター体験なども用意されており、Perfumeファンだけでなく、幅広い年代の来場者が楽しめる内容となっています。


edit & write: yoko sueyoshi

会期：2024年8月9日（金）〜2024年10月14日（月・祝）
休館日：なし
開催時間：10:00～20:00（最終入場は19:30）
会場：TOKYO NODE GALLERY A/B/C
住所：東京都港区虎ノ門2-6-2 虎ノ門ヒルズ ステーションタワー 45F）
料金：一般2,800円、高校生・中学生2,200円、小学生1,000円、未就学児無料（いずれも税込）


※主催者の都合により情報が変更になる可能性があります。最新の情報はイベントHPをご確認ください。

時空をトリップ。テクノロジーで魅せるシンクロの極み

イベントの開催において重要ファクターである「会場」。場とサービスの提供を通して、イベントの成功を後押ししています。そんな会場を運営する担当者の皆さんは、どのような思いをもって、仕事に向き合っているのでしょうか。

そこで、それぞれ異なる個性が光る4つの会場から担当者の方々にお集まりいただき、座談会を実施。後編では、最新のトレンドや主催者からの要求にどのように応えているのか、また今後の展望について本音を語り合いました。

変わりゆくイベントのかたち。期待を超えるサービスの開発で対応

――最近増えている「主催者側からの要望」はありますか？また、「これが流行っている」と感じるイベントがあれば教えてください。

TRUNK(HOTEL) CAT STREET 宴会部イベント課 セールス&プランニング ディレクター 藤原諒氏（以下、藤原）：コロナ禍が落ち着いた後、社内外のコミュニケーションイベントが多く求められるようになりました。厳かな着席のコース料理ではなく、立食スタイルでコミュニケーションを取りながら食事を楽しむという形が多いですね。「TRUNK(HOTEL) CAT STREET」には広いテラスがあり、外で気持ちよくお酒を飲めるので喜ばれています。

また、これまでできなかったイベントを初めて開催する企業が増えており、料理の提供方法やレイアウトについて提案しています。例えば、人数や性別、年齢層に応じた料理やレイアウトの提案を行い、満足度を高める工夫をしています。また、表彰式のコンテンツについての相談も多く、プロジェクターやスクリーンの活用方法についてもアドバイスしています。フードロスに対する取り組みとして、女性が多いイベントではデザートを多めに提供するなど、料理の内容も工夫しています。

住友不動産ベルサール 営業第3部代理店営業第１課長 阿部仁実氏（以下、阿部）：ベルサールも、フードロス対策やサステナブルな取り組みに関心を持つ企業が増えています。このような企業のニーズに応えるために、われわれも様々な工夫を凝らしています。

従来は、参加人数に応じて料理の量をご用意する形式が一般的でしたが、現在当社グループ で提案しているケータリングプランは、メニューをアレンジしたり、お持ち帰りいただけたりするように工夫をしています。提供する料理を無駄なく召し上がっていただけるように心掛けています。

シアターワークショップ 運営プロデュース部門チーフマネージャー 三田侑輝氏（以下、三田）：イベントが増えてきたことで、制作会社や代理店の方が忙しくなったこともあり、会場にイベントの運営に関するすべての業務をワンストップでお任せしたいというご要望が増えてきました。そのため、ワンストップで請け負える体制づくりがますます重要になっています。シアターワークショップでは、テクニカルオペレーションやケータリングなどのサービスを一元化することで、主催者様側の負担を大幅に軽減し、スムーズなイベント運営をサポートしています。

さらに、最新の技術を導入し、イベントの質を高める努力を続けています。例えば、音響設備や照明設備、インターネットの整備や充実はもちろん、「渋谷キャスㇳ スペース」には約190インチの大型LEDディスプレイを導入するなど、イベントの参加者に充実した体験を提供できる環境づくりを心掛けています。

代官山T-SITE GARDEN GALLERY メディアプロモーションイベントマネージャー 今岡慎弥氏（以下、今岡）: 最近、コスメ系のイベントの問い合わせが急増しています。おそらく前年度に実施した大規模なイベントを見た代理店様やクライアント様が「こんなことができるのか」と知って、同様のイベントを開催するために会場を探しているのだろうと思います。

コロナ禍が収束し、マスク着用が緩和されたことで、ルージュなどの新作コスメの発表が増加しており、コスメ系イベントが増えています。一方で、数年前まではハイブランドによる利用が多く、年間で2～3社程度の利用がありましたが、「他とは違う場所でイベントを開催したい」というニーズが強く、公共施設やお寺などでコレクションを行うのがトレンドに。このトレンドの変化により、われわれの会場が選ばれる機会が減少している現状があります。

会社としてはこうした状況に若干の焦りを感じており、新しい会場の開拓を進めたいと考えています。特に、コスメやアパレルなど横のつながりが強い業種の企業と連携し、他の企業からも「ここが良かった」と評判を広げることで、新たなクライアントを獲得するチャンスを増やしたいですね。今後、ますます評判や口コミが重要な要素になるだろうと考えています。

次世代イベントの成長戦略。各会場のアイデアとビジョン

――では、最後の質問です。将来こういうチャレンジをしていきたいというお考えがあれば、教えてください。

藤原：TRUNK(HOTEL)はホテル業界をリードする存在になるために、何をしたらいいかを社員全員が常に考えています。そのためには、イベントでご利用いただいたお客様がどういった企業なのかをしっかりと理解することが非常に重要です。具体的には、お客様がどのような商品を扱っていて、どのような販路があって、どのようなビジョンやコアバリューを持っているのかを把握することです。そして、それに基づいて企業に見合ったホスピタリティを提供することを重視しています。

また、イベントを開催して終わりではなく、再び利用したいと思っていただくためにも、スタッフが提供するホスピタリティをベネフィットにしたいです。会社のビジョンや理念をスタッフが体現することで、お客様も「TRUNK(HOTEL)のスタッフのようになりたい」と思っていただけるような、刺激を受けるサービスを提供し続けたいと思います。そのためには、インナーブランディングが重要です。社員が理念を各々腹落ちさせた状態で、それをアウトプットできることが鍵だと考えています。

阿部：当社は、長年の課題として閑散期対策があります。BtoCイベントが増えてきたとはいえ、まだBtoBのイベントの方が圧倒的に多いのが現状です。特にお盆や年末年始、ゴールデンウィークなどは、全会場を稼働させることが難しいです。過去には自社で主催イベントを立ち上げ、秋葉原で「アキバ大好き!祭り」や日本橋で「大江戸ハワイフェスティバル」などを開催していました（2024年現在は休止中）。今後、良いアイデアがあれば、再開させたいですね。

三田：イベントホールは施設によって、収益や集客など使命や役割は異なりますが、稼働率だけは共通していて、稼働を最大化する事には拘っていきたいと思っています。たとえば、1日だけの大きなイベントを開催しても、その後の364日が空いてしまっては、賑わいが創出される事にはなりませんし、運営的にも持続可能ではありません。稼働を高めるためには、企業向けのカンファレンスや展示会、一般向けのコンサートやフェスティバル、地域コミュニティ向けのワークショップやセミナーなど、多種多様なジャンルのイベントを実施できる環境を整えて異なるターゲット層を引き付け、年間を通じて安定した稼働率を確保したいですね。

特に都内のように競争が激しい市場では一層重要です。2024年には、青山で新たに「P.O.Minamiaoyama Hall」を開業しましたが、都内には多くのイベントホールが存在し、それぞれが独自の魅力を持っています。そのホールが選ばれ続けるために、常に最新のトレンドを取り入れ、施設の魅力を維持し続けたいです。

今岡：ガーデンギャラリーでは蔦屋書店と連携し、主催イベントを定期的に開催しています。これらのイベントは、地域の文化やアート、教育など多岐にわたるテーマを取り扱っており、来場者に多様な体験を提供しています。大きなイベントの年間計画を立てることで、施設全体の認知度を高め、より多くの方々にガーデンギャラリーを知ってもらうことを目指しています。この計画に基づいて、各イベントを戦略的に配置し、年間を通じて継続的な集客を図っています。

しかし、現状ではイベントの認知度がまだ十分に上がっておらず、その改善が大きな課題となっています。具体的には、広報活動の強化やSNSを活用した情報発信の工夫が必要です。

さらに、イベント自体の質をより向上させたいと思っています。来場者の満足度を高めるには、イベントの企画段階から綿密な計画が求められます。例えば、アンケートを通じて来場者のニーズや意見を収集し、それを基にイベント内容を改善することが重要だと思っています。他の成功事例から学ぶことで、より魅力的なイベントを提供できるよう努めていきたいです。

edit & write: yoko sueyoshi
photo : hideki ookura

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